martes, 30 de noviembre de 2010

Exposición fotográfica: MY PERRO RANO en el CDC del IPBA

Invitación al montaje escénico [ahí estás ∴ estás ahí] por el proyecto -Ciuffut-. Este 3 y 10 Diciembre en el Centro Cultural Mariano Jiménez



Dos seres, un cubo, fuego, estambre y un saxofón; Elementos puestos allí para abordar la siguiente tesis:

El ingrediente fundamental en la búsqueda incesante del ser humano de desentrañar su esencia individual es la aceptación y el goce del momento presente y su incertidumbre.

Se presenta este montaje escénico, este viernes 10 de diciembre a las 20:30 horas en el Centro Cultural Mariano Jiménez, ubicado en la calle 5 de Mayo #610, Zona Centro, a tres cuadras antes de llegar a Plaza de Armas).

Se les recuerda que hay una cuota de recuperación de $30 devaluados pesos.

Asista y apoye a las propuestas independientes potosinas.

Sentimiento y emoción en el cantar del tenor chihuahense, Eduardo Herrera en tierras potosinas



Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Como dice acertadamente el escritor, Danilo Kish; “Nosotros los escritores somos privilegiados, para nosotros, además de todo, existe la creación artística; eso nos da la ilusión de que no vivimos en vano, sin sentido, sino que en nuestra vida estamos haciendo algo especial”.

Bajo esta premisa pero dentro del ámbito musical, es sin lugar a dudas una invitación para acercarse y disfrutar del proyecto musical del tenor Eduardo Herrera, en su primera visita a tierra potosinas como parte de las actividades del Primer Encuentro de Teatro de Discapacidad y Tercer Encuentro de la Discapacidad y Cultura .

Al tener como escenario, las bellas instalaciones del Museo Nacional de la Máscara de este tenor que ha desarrollado una carrera principalmente como tenor-solista, donde ha intepretado diferentes géneros como: ópera, comedia musical, boleros y últimamente una mezcla entre clásico y pop, que ha denominado classpop dentro del cual actualmente cuenta con tres producciones discográficas titulados; "Hold Sway"(2010),"hijo del planeta" (2008) y "es el momento" (2004).

Sin lugar a dudas, bajo una de las formas más convincentes para comunicarse y conocer la otredad del ser humano y el mundo mismo y quedar plasmado en su más reciente producción discográfica “ Hold Sway”.

Vestido totalmente en negro, comparte y traza su travesía musical desde su propia magia y el buen humor, al transitar desde los diferentes temperamentos y coloraturas de canciones muy conocidas, bajo la plusvalía de una personal interpretación, como: Sway de Norman Gabler, Tengo Ganas de Gian Marco; Rey Azul de Aldo Donati / Emmanuel; el Ilusionista de Miguel Bosé y Alejandro Sanz; Una Rosa es una Rosa de JM Cano; lo netamente mexicano: Cucurrucucu Paloma de Tomás Méndez y México en la Piel de José Manuel Fernández Espinoza e Imagine de John Lennon.

Un proyecto de vida que surge a partir de sus diecisiete años, para migrar a la capital mexicana para estudiar y egresar del Conservatorio Nacional de Música como cantante, al aclarar que a pesar de estar más enfocado desde sus inicios al musical, pero por cosas del destino se encontró con un maestro de ópera y el cuestionarse; “Me dije, ahora quiero cantar ópera o quiero cantar comedia musical con técnica de ópera, me metí al conservatorio y quise cantar ópera, salí del conservatorio y me dije, quiero tocar ópera pero quiero hacer algo que le llegue más a la gente”.

A pesar de declararse Eduardo Herrera un gustoso de la ópera, dijo sentirse que se puede caer en un acartonamiento, “Digamos que no es tan popular para llegarle a la gente, hay que hacer cosas más sencillas”.

Un primer disco que lo describe como orquestado dentro de lo clásico, así como una voz más impostada y buscando lo pretencioso en la voz del tenor, de ahí que le surge la idea de hacerlo más hacia el pop y quedar plasmado en su segundo disco, al decirse muy influenciado del tenor italiano, Andreas Bocelli.

De esta manera, su tercer disco lo considera como sumamente divertido, romántico y juguetón, “es como el Rey que es una historia de amor, pero hay que hacerla movida y quitarle la formalidad”.

En la constante búsqueda de encontrar cosas que le gusten a la gente y que alguna vez han estado en el gusto de la gente. Se pregunta ¿Cómo va ser mía? Para responderse, “te pongo el caso del Rey azul, no la quiero cantar como Emmanuel pero ¿Cómo la haces tuya? lo mismo pasa con la Bikina o Image que es tan cantada”.

Consciente de que no puede hacer gran cosa al respecto, porque puede destruir una super canción. “Entonces vas uniendo que fusión y que le vas metiendo a cada canción; entonces el común denominador que hay en este disco esta en las percusiones, esta en el contrabajo, esta el piano y la guitarra española. De ahí que con estos cuatro elementos juegan con todas las canciones en que hay una similitud.”

Para el cantante originario de Chihuahua comento en cuanto a la reacción del público entorno a su proyecto musical: “Ha gustado mucho a pesar de tener poco tiempo de que salió, apenas lo presente el pasado 21 de Octubre. Antes de la presentación oficial que fue en la Amapola en la Ciudad de México”.

Agrega: “ Fue muy padre porque fue ante un publico que no sabía nada y no sabía quien soy. Cuando oyes la respuesta de la gente que te dice que padre; me gusto esto, me gusto lo otro. Generalmente gusta el concepto ya que las presentaciones han sido en vivo. Estoy muy contento porque hasta este disco siento que he le buscado por mucho tiempo mi personalidad en la música”

”Me siento libre, donde me divierto, donde creo que estoy poniendo mi grano y mi contribución en la música”.

Muy consciente aclara; “Esto no quiere decir que aquí me quede, yo creo que la música como el arte es evolutivo, vas buscando y vas buscando ideas y hasta ahorita hay que divertirnos con esto y buscarle y buscarle ya que hay un crecimiento, sin caer en voy a inventar por hacer algo diferente y tiene que estar la esencia de tu persona”.

¿Qué tan difícil es referirse a la personalidad artística?

“Tienes que prepararte, tienes que ser honesto en cuanto a lo que estas haciendo y diciendo. También tienes que buscar la parte que le guste a la gente. Si he encontrado con lo que quiero hacer, pero también que le llegue a la gente a su corazón”.

Por lo cual todavía le falta mucho el rascarle a la esencia de Eduardo Herrera, a pesar de haber cantado por más de doce años en conciertos para recaudación de fondos para el Centro de Estudios para Invidentes en Chihuahua, Chihuahua, así como para otras instituciones.

Quien se encuentra estudiando flauta y se sige entrenando en la técnica de actuación para la comedia musical y ante todas esta necesidad de seguir comiendose el mundo fluye positivamente esa entrega y pasión por interpretar que cautiva de ipso facto a sus cómplices de una vida dedicada a la mùsica y al teatro.

Para más informes de su trayectoria y demás cosillas, puedes checar en: www.eduardoherrera.net

lunes, 29 de noviembre de 2010

La Cebra Danza Gay presente este 1 de Diciembre en tierras potosinas en el Día Mundial de lucha contra el SIDA



En el marco del Día Mundial de lucha contra el SIDA, que este año lleva como tema principal Para el SIDA. Mantén la promesa, este miércoles 1 de diciembre se llevará a cabo, y de manera gratuita, la presentación de la compañía de danza contemporánea La Cebra Danza Gay, en la Plaza del Carmen, a las 20:00 horas.

La presentación es organizada por el sector salud en colaboración con distintas instituciones, entre ellas el Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario, que además de su vocación para la formación y divulgación artística, se encuentra también comprometida con la sociedad en general, y con actividades de colaboración con otras instituciones igualmente comprometidas con el desarrollo social y cultural del Estado.

El programa para este día contempla la participación de Hugo Cruz, Juan Madero, Frago Peña, Eduardo Flores, Ulises Anguiano, Bruno Ramírez y José Rivera Moya, integrantes de la compañía La Cebra Danza Gay, con la presentación de las piezas “Arcoiris mambo, 2010”, (Parte 1), “El soldado y el marinero” (1998), Fragmento de la obra Yo no soy Pancho Villa ni me gusta el futbol, y “Arcoiris mambo, 2010”, (Parte 2), autoría de José Rivera Moya, miembro de la sociedad mexicana de coreógrafos, así como “La familia”, (1987), y “Tragedia en Polanco” (1990), ambas coreografías del maestro Raúl Flores Canelo, con la reposición de José Rivera Moya.

Con una trayectoria de catorce años, la compañía se ha presentado en múltiples escenarios de la mano de su fundador José Rivera Moya, destacado bailarín y coreógrafo potosino, quien este año celebró 25 años de trayectoria artística, misma en la que también ha destacado por su labor social, siendo declarado Ícono de la Comunidad Gay Mexicana por su trabajo como activista en la lucha contra el SIDA, y por su incansable labor por los derechos de dicha comunidad, en 2005 ganó el Premio al Mérito Gay y en 2006 fue declarado Rey de la Marcha del Orgullo LGBT.

El Día Mundial del SIDA se conmemora cada 1 de diciembre en todo el mundo con el fin de celebrar los progresos logrados en la lucha contra la epidemia, así como para recordarnos los retos que están pendientes. La idea de dedicar un día a la lucha contra el sida en el mundo surgió en la Cumbre Mundial de Ministerios de la Salud de 1988, dentro de los programas para la prevención del sida. Desde entonces, la iniciativa la han seguido gobiernos, organizaciones internacionales y caridades de todo el planeta.

Desde 1988 hasta 2004, UNAIDS (ONUSIDA) organizaba el Día Internacional de la Lucha contra el Sida. Escogía un tema para cada año, después de consultarlo con otras organizaciones. En 2005 la UNAIDS entregó la responsabilidad de la conmemoración de este día a la organización independiente WAC (World Aids Campaign: Campaña Mundial contra el Sida). Para el 2005, eligieron como tema de su campaña: “Paren al sida: cumplan la promesa” (Stop Aids: Keep the Promise), vigente hasta el 2010.

Noche de lieder, Robert Schumann en voz del barítono alemán, Falko Honish

Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Una noche llena de las cadencias y sensaciones musicales que emanan de los lieder creadas por el compositor alemán, Robert Schumann a través de la destacada interpretación del joven barítono, Falko Honish.

Todo esto se suscito dentro de los conciertos de Otoño 2010 en la sala de sala de conciertos del área de música del Centro de las Artes “Centenario”.

A partir de las primeras notas de la serie de lieders bajo el rubro de –Dichterliebe, Op.48, al quedar de manifiesto este ciclo de canciones en alemán o Lieder de Robert Schumann compuesto en 1840 para voz solista con acompañamiento de piano. Señala uno de los hitos de la canción del romanticismo alemán.

Al quedar de manifiesto tanto por la calidad interpretativa a través de voz muy educada de este joven interprete, quien debuto en la temporada de ópera 2009-2010 en el Teatro Guiseppe Verdi en Trieste, Italia.

Un recital que se destaco por detentar no solo en su interpretación sino por la calidad de los acentos, colores y ambientes impresas en estas obras de un compositor romántico tardío como es R. Schumann, aunado por el excelso acompañamiento del pianista Alain del Real.

Impecable programa que se complemento con la Eichendorff-liederkreis Op 39, corresponde al ciclo de canciones basadas en la poesía del poeta Joseph Eichendorff, a la cual llamó -Intermezo- y es considerada como uno de los ciclos de canciones más grandes del siglo XIX. Interpretada magistralmente por Falko Honish, quien recientemente ganó el premio de Lauritz Melchior en el Concurso Internacional de Canto de Voces Wagneriana y recibió el primer lugar(medalla de oro) en el Concurso Richard Strauss, en Munich en el festival homónimo.

Piezas que se circunscriben y quedan inmersas en plenamente amoroso, la anécdota de situaciones chuscas y simplemente rememoran el diluvio de ganarte el corazón y las sensaciones del agradecimiento del público mayoritariamente joven por su excelsa intepretación.

Entre una emoción contenida y solo sonreír nerviosamente entre los cálidos y extensivos aplausos del respetable, quienes al conteo del uno, dos y tres, entonaron al unísono las tradicionales mañanitas, entre el asombro y la sorpresa del joven barítono que cumple un año más de vida, pero no quedo todo ahí, sin olvidar apagar las velas y la famosa mordida al pastel y de esta forma concluir una deliciosa fiesta musical.

Falko Honish fue miembro del ensamble de solistas, presentándose en diversos teatros a lo largo de Alemania. Su repertorio abarca la interpretación del Conde Almaviva- Bodas de Fígaro de W. A. Mozart-; Papageno y Sprecher de la Flauta Mágica de Mozart y Gabriel Von Eisestein-Múrcielago de Strauss.

Un evento realizado por el Centro Cultural Alemán en colaboración con el Centro de las Artes “Centenario” a través del Área de Música.

EsTE 3 de Diciembre, Son del Hueso en concierto en el Teatro del IMSS



Se les recuerda que la entrada es totalmente gratuita y que se apoya a la escena musical potosina.

Espléndido concierto a beneficio de la Escuela Municipal de Formación Musical Potosina


Por: Roberto A. Valenciano Capín.

El barajar sinónimos como fraternidad, concordia, unidad o todo lo que conlleva bajo la cauta salvedad del termino, sobre todo en estos efímeros tiempos a pesar del constante bombardeo mediático.

En esta ocasión se logró reunir a la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí, la Banda Sinfónica Juvenil Municipal y la participación especial de los jóvenes pianistas; Alicia Medrano y Vladimir Petrov, bajo el let motiv de contribuir a beneficio de uno de los pocos nichos formativos en cuanto al ámbito musical en la capital potosina: la Escuela Municipal de Formación Musical.

Al tener como escenario, las modernas instalaciones del Centro Cultural Universitario “Centenario”. Al contar con el sustancial apoyo de los potosinos que se dieron cita a este concierto.

Dejando atrás los inefables protagonismos, para reunirse y contribuir en ayudar y hacer consciente de sus propias necesidades como institución a través de la dotación de instrumentos y partituras para dicha institución formativa municipal.

Cabe hacer mención que con todo lo que se recaude, se destinará a dotar de más instrumentos, además de que se mejorarán las instalaciones que actualmente alberga a la Escuela Municipal de Formación Musical, que ofrece sus servicios de manera gratuita a niños de entre 8 a 14 años de edad.

Como Walter Benjamín subrayaba puntualmente que “el lenguaje alberga en su interior la infinitud de la entidad espiritual”.

De ahí que no hay mejor forma de sustentar este credo musical, como es la puesta en practica de sus conocimientos, al ser planteados por los integrantes de la Banda Sinfónica Juvenil Municipal, bajo la dirección del Mtro. Antonio Bollo Moreno, al presentar un programa que comprendió las obras: Marcha Mexicana de José Ventura Gil, bajo el arreglo de José Ventura Gil se describió la tradicional canción “ La Llorona” y con la riqueza del popurrí se detentaron “ los Ecos de la Revolución” bajo los arreglos de Amado Pérez.

Con un bello vestido beige, la joven pianista potosina, Alicia Medrano interpreto en su intervención musical, dos bellas obras: Polonesa en La, Op. Póstuma de Frederic Chopin y Scherzino Mexicano del compositor zacatecano, Manuel María Ponce.



Como parte de la celebración tanto del Bicentenario del inicio del movimiento de Independencia Nacional y el Natalicio del compositor polaco, Frederic Chopin. El talentoso y joven pianista Vladimir Petrov hizo un sustancioso homenaje a este máximo exponente del romanticismo, al potenciarlo bajo una impresionante madurez interpretativa como musical de este joven pianista, quien fue agradecido por un extensivo aplauso que lo hizo salir varias veces al escenario.

Al deleitar al respetable con puntuales obras como son: Preludio Op. 25 No. 25; Estudio Op. 25 No. 12; Mazurca Op. 24 No. 4; Valse No. 14 Op. Póstumo y Nocturna Op. 55 No. 2, bajo el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí, el Movimiento Andante Spianato and Grande Polonaise Brillante, Op. 32.
Después de un receso, cierra este histórico concierto benéfico, la OSSLP bajo la dirección del Mtro. José Miramontes Zapata, al interpretar las piezas: Vals Maximiliano y Carlota del compositor, Arturo Rodríguez y el Danzón No. 2 de Arturo Márquez.

“Todos somos muy ignorantes. Lo que ocurre es que no todos ignoramos las cosas”. Albert Einstein.

Un evento realizado por el Departamento de Cultura del H. Ayuntamiento de San Luis Potosí, la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí y la Universidad Autónoma de San Luis Potosí.

Actividades de Cultura Municipal del 1 al 5 de Diciembre

La Dirección de Cultura Municipal inicia el mes de diciembre con interesantes actividades enfocadas a la época decembrina, entre las que se incluye la participación de los alumnos de la Escuela Municipal de Iniciación Musical en diversos foros.

LITERATURA
El miércoles 1 de diciembre en punto de las 18:00 horas en los espacios literarios se contará con la participación del licenciado José Alvarado Zaragoza, quien realizará una lectura en voz alta y dramatización, en la Sala de los Cronistas de Palacio Municipal.

JUEVES DE CONCIERTO

El jueves 2 en la Plaza de Armas se presentará un fragmento del espectáculo internacional “Viva la Gente” en punto de las 17:00 horas; además en la Plaza comercial El Dorado se contará con la presencia de la Banda Sinfónica Juvenil Municipal a las 18:00 horas.

FIN DE SEMANA CULTURAL

El viernes 3 de diciembre se presentará un programa de música navideña por parte del Coro de la Escuela Municipal de Formación Musical en Plaza Sendero en punto de las 18:00 horas; mientras que en la Plaza de Armas se desarrollará el tradicional Viernes de Danzón, que cuenta con la participación del Grupo Municipal de Bailes Finos de Salón.

En el Panteón Municipal se presentará el espectáculo de Mitos y Leyendas en el panteón municipal de El Saucito en dos funciones a las 20:00 y 21:30 horas.

El sábado 4 se presentará el programa de música navideña con la Banda Sinfónica Juvenil Municipal en la Plaza de Armas en punto de las 18:00 horas; a la misma hora en Plaza Sendero se presenta el Ensamble Clásico de Moscú en Plaza Sendero.

El domingo 5 en las Matinées Fantásticas en el ciclo Cine Infantil Navideño se presenta la película El Grinch, del director Ron Howard en la Sala de Los Cronistas de Palacio Municipal en punto de las 13:00 horas.

En la Delegación de Pozos a las 18:00 horas se presentará un programa de música navidela cin el Ensamble Clásico de Moscú.

LA OBRA DE TEATRO “MOZART” DE GIRA POR SAN LUIS: DOS FUNCIONES ESPECIALES EN BELLAS ARTES, 3 y 4 DE DICIEMBRE.



El espectáculo “Mozart”, que retrata imágenes de la vida del genial compositor y hace continuas referencias al mundo en el que vivimos actualmente, llega a San Luis, tras una gira de apretada agenda del dramaturgo Salvador Lemis.

El maestro Lemis, quien es miembro de la Asociación Mexicana de Investigación Teatral y de la Sociedad General de Escritores de México, funge actualmente como Director del Centro de Investigaciones Escénicas de Yucatán, ESAY, ofreció el Taller ““El espacio de investigación escénica y los nuevos paradigmas: la puesta en escena, el texto y el pretexto”, del 29 de octubre al 31 de octubre de 2010, en la ciudad de Tijuana, Baja California, como parte del Festival de Teatro de las Fronteras México-EEUU; y presentó con éxito de público y crítica su espectáculo “Mozart”, con la actuación de Gabriel Moré, en el espacio escénico del ICBC de Tijuana el 17 de noviembre y posteriormente por cinco ciudades fronterizas. Gira patrocinada por el Instituto de Cultura de Baja California. Lemis fungió también como Jurado del Festival de Teatro de la Universidad Autónoma de Baja California, Licenciatura en Teatro, en el pasado mes de octubre.

El maestro Salvador Lemis, teatrólogo, dramaturgo y director escénico, impartió durante estos días de noviembre las siguientes conferencias en San Luis Potosí:
Clases Magistrales y Taller:

I.- TÍTULO: “El teatro como texto literario y como puesta en escena: su proceso de creación.” Instituto Tecnológico de Monterrey, SLP.
II.- TÍTULO: “El teatro infantil y el teatro para niños.” (Taller multidisciplinario con niños.) Bellas Artes, SLP. (COMPAÑÍA INFANTIL DE TEATRO.)
III.- Taller-conversacional con niños de pre-escolar en el “Colegio Terranova.”
Conversatorio sobre los Blogs de Yucatán y San Luis para los Clubes de Niños y Niñas Artistas “Cazamonstruos”, de los que es co-creador desde la Maestría en Psicoterapia Posmoderna del Instituto Kanankil, impulsando el Arte Infantil Nacional y la salud. Encuentro con la Directora general de Bellas Artes SLP, Laura Elena González, así como con el destacado músico Gilberto Núñez Puente, director de la Sinfonietta y con el fundador del Grupo Independiente “Zopilote”, Fernando Betancourt, que dirigirá obras del dramaturgo. Igualmente participó como invitado al Taller de Poesía y Literatura de Bellas Artes, compartiendo con escritores jóvenes. Fue entrevistado por los niños del Taller de Literatura del maestro Cuco, además.
Posteriormente la puesta en escena de “Mozart” se presentará en el Festival del Monólogo de Cancún, para partir a San Luis, donde se darán dos funciones, así como la presentación performática –desde el personaje- de la Sinfonietta de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí con obras del compositor austríaco-alemán, hasta concluir el 4 de diciembre con estas actividades. La obra no se detiene exclusivamente en narrar pasajes de la vida de Johann Wolfgang Gotliess Amadeus Mozart, sino que hace un estudio contemporáneo de la condición del artista joven en el medio provincial del arte, así como dentro de la enseñanza teatral y su inserción en el trabajo profesional e institucional. Se trata de un cuestionamiento a las estructuras de poder en la era líquida y de la incertidumbre psicosocial, frente al talento del artista.

En el Teatro “Raúl Gamboa”, del Centro de Difusión Cultural del Instituto Potosino de Bellas Artes, en plena urbe, se llevarán a cabo las 2 funciones especiales de “Mozart”: viernes 3 de diciembre a las 8 de la noche y sábado 4 de diciembre a las 7 de la noche. No se pierdan estas dos magníficas presentaciones a cargo del actor Gabriel Moré, con un costo accesible y gracias al esfuerzo de numerosas personas relacionadas con el Arte y la Cultura que permiten la llegada a San Luis de estas obras teatrales de primer orden a nivel internacional. ¡”Mozart” estará de visita! Apoyemos el teatro.

Programación de 29 y 30 de Noviembre del Encuentro Internacional de arte performático en el CEART "Centenario".



Lunes 29 de noviembre / 20:00 hrs.

Presentación del libro

«El poder silencioso de la experiencia corporal
en la danza contemporánea»
de Zulai Macías Osorno (México)
Mesa abierta de discusión
Entrada libre

‘El poder silencioso de la experiencia corporal en la danza contemporánea’, es una obra que vincula la práctica de la danza con debates sobre el arte y la estética hasta ahora reservados a otras disciplinas artísticas, es un ensayo sobre el mundo de la danza desde la reflexión filosófica, estética, histórica e incluso política que aborda conceptos como el cuerpo, el movimiento, la formación disciplinar o la dicotomía disciplina/indisciplina.

Este trabajo de la autora mexicana ha sido el ganador del II Premio Internacional Artez Blai de Investigación sobre las Artes Escénicas convocado por la asociación cultural Artez Blai Kultur Elkartea.


Martes 30 de noviembre / 20:00 hrs.



«Hrefna»
Choreographed and danced by: Hrafnhildur Einarsdóttir (Islandia)
Credits: Hrefna by Raven in assotiation with Meetoo Moving Arts network
Sound score: Hrafnhildur Einarsdóttir- recorded sound plus text, Hótel Jörð by Tómas Guðmundsson
Original music: Lucas Acuna
Duration: 15 min.

«Hrefna». Mirando a alguien dentro de ti mismo. Buscando ahí una relación que tienes con esa persona, y logrando conocer alguien más aunque ya se haya ido. Pisando un camino que le pertenece a otra persona.

Looking at someone, within yourself. Finding there a relationship that you have with that person, and getting to know somebody even though she is gone. Stepping a path that is owned by someone else.



«BEe dance (y la frágil consumación)»
Creation/Performing: Alma Quintana (México) y Sandra Gómez (Colombia)
Duration: 35 min.

«Si la abeja desapareciera de la superficie del globo, al hombre solo le quedarían 4 años de vida : sin abejas, no hay polinización, ni hierba, ni animales, ni hombres ... » Einstein
Liberar o consumar el último instante de vida. ¿Morir?.
Comunicar, colaborar, convivir y experimentar nuestra vulnerabilidad. Varios sistemas dialogan: sencillos y complejos, tejiendo distintas capas y secretos. ¿cuál es nuestro presente? ¿Cómo percibimos al otro? Temporalidad frágil e instantes inmóviles.

«If the bees disappear from the earth surface, human being could only survive 4 years: without bees, there is no pollination, neither herbs, animals, human beings... » Einstein
To release or carry out the last alive instant... ¿To die?.
To communicate, to collaborate, to coexist and have the experience of our vulnerability. Different systems dialogue: simple and complex, weaving many layers and secrets. ¿What is the present? ¿How we perceive the "other"? Fragile temporality and stillness.

Costo a presentaciones por día: $30.00
Descuento a estudiantes y adultos mayores con credencial
Centro de Arte y Nuevas Tecnologías (CANTE) y Área de Artes escénicas del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario,
Calzada de Guadalupe núm. 705, Col. Julián Carrillo. Teléfono 137 4100, exts. 6002, 7003 y 7004

(ZULAI MACIAS OSORNO (México)

Licenciada en psicología y maestra en filosofía (orientación estética) por la UNAM; estudió danza contemporánea en el Instituto Cultural Ollin Yoliztli. Ha presentado sus trabajos en coloquios como el II Congreso Internacional de Artes, Ciencias y Humanidades El Cuerpo Saturado, con la ponencia «La recreación del espacio desde la experiencia corporal de la danza moderna» (2005) y el Encuentro Internacional de Investigación de la Danza, con el trabajo La danza contemporánea como fuga de imágenes (2008). Fue colaboradora de la revista DanzaNet, en donde publicó escritos como «Mary Wigman y el expresionismo alemán» (2006), «Merce Cunningham y la búsqueda de la contemporaneidad» (2006), «El movimiento nacionalista de la danza en México» (2007) y «El performance como arte conceptual” (2008); en 2008 colaboró con el boletín electrónico de la revista DCO, con el ensayo “El contrapoder silencioso de la danza académica». También ha participado en cursos académicos relacionados con la práctica escénica, tales como «Reflexiones sobre el gesto teatral contemporánea: Deleuze y la crisis de la representación» (2006), «Historia del Arte Acción en el Mundo (1960-2006)» (2006), «Filosofía y música al límite» (2008) y «Cuerpo presente» (2008).

En 2008 fue acreedora de la beca del programa de intercambio de residencias artísticas México-República Checa (FONCA-Instituto de Teatro de Praga), con el proyecto «Memoria del cuerpo. El estallido de la danza contemporánea en la República Checa», publicado en la revista Danza, pasión y movimiento. En 2009 obtuvo el Premio de Ensayo Teatral, otorgado por el Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli (CITRU) y la revista Paso de Gato, con el trabajo: Sensibilidad a flor de piel: los cuerpos que en escena se encuentra. En este mismo año obtuvo la Tercera Beca Casa Vecina de la Investigación para la Cultura en el Centro Histórico (Fundación del Centro Histórico-Espacio Cultural Casa Vecina) para el desarrollo del proyecto Hechos escénicos urbanos: la vida entre la estética y la política. Además ganó el II Premio Internacional Artez Blai de Investigación en las Artes Escénicas (País Vasco), por lo que se publicó su investigación El poder silencioso de la experiencia corporal en la danza contemporánea. Actualmente imparte clases de filosofía y es miembro del Colectivo Inquietando.

Zulai has a degree in psychology and MA on philosophy by the National University of Mexico. She also studied contemporary dance in the school Ollin Yolistli. She has presented her works in the II International Congress of Arts and Science with her writing “La recreación del espacio desde la experiencia corporal de la danza moderna” and in the Conference: Research on dance with her work «La danza contemporánea como fuga de imágenes».

She collaborated with the magazine DanzaNet where she published Mary Wigman y «el expresionismo alemán» (2006), «Merce Cunningham y la búsqueda de la contemporaneidad» (2006), «El movimiento nacionalista de la danza en México» (2007) and «El performance como arte conceptual» (2008).

In 2008 she worked with DCO with the essay El contrapoder silencioso de la danza académica.

Also in this year she won the scholarship to make a residence in Prague with the exchange program from the National Fund for Arts and Culture (mexico) and the Theater Institute (Prague) with the project Memoria del cuerpo. El estallido de la danza contemporánea en la República Checa”, published in the magazine Danza, pasión y movimiento. In 2009 she got the award Premio de Ensayo Teatral given by Rodolfo Usigli Research Center. In this year she also got the scholarship from Casa Vecina to develop the project Hechos escénicos urbanos: la vida entre la estética y la política.

She also gets the award II Premio Internacional Artez Blai with the research El poder silencioso de la experiencia corporal en la danza contemporánea.

HRAFNHILDUR EINARSDÓTTIR (Iceland / Islandia)

Hrafnhildur Einarsdóttir es una artista y coreógrafa independiente. Estudió en la Escuela Laban en Londres y se graduó en el 2009 con un BA en Danza Teatro.
Hrafnhildur ha trabajado como intérprete y creadora de su propio trabajo, en donde recientemente comenzó a explorar nuevos caminos, experimentando con el trabajo de cámara y sonido. En el verano de 2009 recibe la beca DanceWEB en Viena, Austria, y en el mismo año recibe el reconocimiento a la estudiante en arte líder del año en Kópavogur, Islandia, otoño de 2009.

Hrafnhildur ha creado e interpretado en colaboración con DanskonstkollektivetSch!! y estuvo en residencia en el teatro Tou Scene in Stavanger de Noruega.

Hrafnhildur Einarsdóttir is a freelance dance artist and choreographer. She studied at Laban in London and graduated from there 2009 with BA in Dance Theatre. Over the past years Hrafnhildur has been working equally as a performer as well as choreographing her own work, where she has recently started to explore new pathways, experimenting with camera work and sound. Summer 2009 Hrafnhildur was awarded the DanceWEB scholarship program in Vienna, Austria, same year she was awarded as a leading art studentof the year in Kópavogur, Iceland.

Autumn 2009 Hrafnhildur created and performed in a collaborative work with DanskonstkollektivetSch!! During a residency period at theatre Tou Scene in Stavanger, Norway. Currently She works In London on a dance and music project, which will be presented in Utrecht, Holland.

ALMA QUINTANA (México)

Creadora escénica egresada de la Escuela Nacional de danza clásica y contemporánea del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) como bailarina en danza contemporánea. Becaria por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes para estudiar (guest student) en la School for New Dance Development (SNDO) en Holanda en 2011.
Obtiene en 2009 la beca danceWeb dentro del marco del Impulstanz International Dance Festival en Viena bajo la tutoria de Philipp Gehmacher (Austria) y Cristine de Smedt (Bélgica). Ha tomado clases y talleres con: Iñaki Azpillaga, Jennifer Lacey, David Zambrano, Josef Frucek y Linda Kapetanea, Josef Nadj, Frank Micheletti, John Jasperse, Marion Ballester, Jeremy Nelson, Lluis Ayet, Muriel Piquet entre otros y de danza buto con Akira Kasai, Ko Murobushi y Mitsuyo Uesugi.

Crea en 2010 el solo escénico REsonando, y en 2009 y 2008 las coreografías Franchir y Nemini. La invitan a participar en el SKITE project 2010 en Caen, Francia organizado por Jean Marc Adolphe. En 2008 dentro de la Tercera Noche de Teatro trabaja con PROYECTO 3 en los proyectos de los directores escénicos Jean Frederic Chevallier (Francia) y Matthieu Mevel (Italia) y en 2005 en el encuentro Dialogue du Corps organizado por Salia ni Seydou en Burkina Faso. Como intérprete ha colaborado con las compañías como Foco al Aire, Kubilai Khan Investigations e Inside the Body bajo la dirección de Octavio Zeivy, Frank Micheletti y Aladino Blanca.

Actualmente se encuentra investigando y colaborando en los proyectos BEe dance con la colombiana Sandra Gómez y Blurry Smashed Blueberries con el suizo Pierre-Yves Diacon.

Dancer/choreographer graduated from the National Contemporary Dance School (National Institute of Fine Arts) from 2001 to 2006. She gets from the National Arts and Culture Funding the scholarship to study in the guest student program (2011) in the School for New Dance development (SNDO) in Amsterdam. She got the danceWeb scholarship in 2009 for the Impulstanz International Festival in Viena mentored by Philipp Genmacher and Cristine de Smedt. She has studied and took workshops with Iñaki Azpillaga, Jennifer Lacey, David Zambrano, Josef Frucek, and Linda Kapetanea, Josef Nadj, Frank Micheletti, John Jasperse, Marion Ballester, Jeremy Nelson, Lluis Ayet, Muriel Piquet, among others, and butoh with Akira Kasai, Ko Murobushi and Mitsuyo Uesugi.

She creates in 2010 the solo REsonando and in 2009 and 2008 the choreographies Franchir and Nemini. She is invited to participate in the SKITE project 2010 in Caen, France organized by Jean Marc Adolphe.

In 2008 she works in the Third Night Theater organized by the grupo PROYECTO 3 with the scene directors Jean Fredéric Chevallier (France) and Matthieu Mevel (Italy) and in 2005 in the encounter Dialogue du Corps organized by Salia Ni Seydou in Burkina Faso.She has danced with the companies Foco al Aire, Kubilai Khan Investigations and Inside the Body, by the direction of Octavio Zeivy, Frank Micheletti and Aladino Blanca.

She is now researching and collaborating in the projects BEe dance with the colombian Sandra Gómez and Blurry Smashed Blueberries with the swiss Pierre-Yves Diacon.

SANDRA GÓMEZ (Colombia)

Coreógrafa y bailarina, se ha especializado en las técnicas de improvisación y danza contacto. Formó parte desde 2003 de la compañía colombiana Danza Común y actualmente forma parte como intérprete y asistente de dirección de la compañía mexicana Bruja Danza bajo la dirección de Alejandra Ramírez.

También estudió filología alemana en la Universidad Nacional de Colombia. Ha colaborado (2005‐2007) con distintos coreógrafos como Maureen Fleming (USA) Axis Mundi 2005, Alexis Eupierre (España) In Situ 2006, Frauke Requardt (Alemania) Pequeñas Delicias 2007.
Fue invitada por la Agrupación Proyecto 3, a participar como bailarina – interprete en los montajes que se realizaron para la Cuarta Noche de Teatro en México D.F. de Agosto a Octubre de 2009: A breaking dawn and a Multiplication of Tissue de Jean‐Frederic Chevalier y Mattiu Mevel (Francia‐ Italia), Police Machine de Joseph Danan (Francia), y Heteroglosias de Víctor Viviescas (Colombia).

Fue gestora e integrante del Centro de Experimentación Coreográfico, proyecto gestionado y realizado por la Fundación Danza Común, con el apoyo de la Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte y el Ministerio de Cultura de Colombia, donde desarrollo trabajos de creación como: Algo se Rompió 2008, Acontecimiento Simultaneo 2007 (este invitado a la III muestra de Performance en Choroni Venezuela), Disinstantes 2006, El Amenazado 2006 y el proyecto Localidades 2008.

Choreographer and performer. She has been part of the Colombian company Danza Común since 2003 and now she is part of the mexican company Bruja Danza as assistant director and performer. She also studied German Philology at the National University of Colombia.
Winner of the 2008 Creation Grant (Sports, Recreation and Culture District Secretary) for the project Campo Muerto with Danza Común dance company, as well as the Circulation in Colombia in 2009 (Colombian Ministry of Culture). She performed in Éramos unos cuantos 2004, El otro lugar 2004, Cuatro puntos suspendidos 2005. From 2005 to 2007 she collaborated with Maureen Fleming (USA) in Axis Mundi, Alexis Eupierre (Spain) In Situ and Frauke Requart (Alemania) Pequeñas Delicias. She created Acontecimiento Simultaneo 2007 (invited to the 3rd. Choroni Venezuela Performance exhibit), Distantes 2006, El Amenazado 2006,

Invited by the Proyecto 3 (2009) to collaborate in the frame of Cuarta Noche de Teatro in Mexico City in the following plays: A Breaking Dawn and a Multiplication of Tissue by Jean-Fredéric Chevalier and Mattieu Mével (France/Italy), Police Machine by Joseph Danan (France) and Heteroglosias by Victor Viviescas (Colombia). In 2008 she was invited to collaborate as creative performer in the dance video Once Cuerpos, directed by Jenny Fonseca and shot in Cali, Colombia.She coordinated the book publishing of Danza, Tradición y Contemporaneidad 2007–2008 and Trayectos 2008, a memory compilation of the first dance professionals in the Caribbean Region of Colombia.

Festival Navideño, del 1 al 5 de Diciembre en el Museo Francisco Cossío



Este miércoles 01 de diciembre comienza el 2do. Festival Navideño, con la Pastorela de la Compañía de Teatro Galindo a las 20:00 hrs. en el Teatro de la Paz.
02 de diciembre, Cabal y fuego, Flamenco Vivo, a las 20:00 hrs. en el Teatro de la Paz.
03 de diciembre, El Rey Mocho, 20:00 hrs. Sala Joaquín Meade, Museo Francisco Cossío.
04 de diciembre, La mujer sola (Teatro), 19:00 hrs. Sala Joaquín Meade, Museo Francisco Cossío.
05 de diciembre, Marionetas de Azanza, 17:00 hrs. Teatro de la Paz
y 19:30 hrs. Función de títeres “La niña de los Fósforos” Sala Joaquín Meade, Museo Francisco Cossío.

Los boletos se pueden adquir en el Museo Francisco Cossío en horario de oficina, 10:00 a 17:00 hrs. a cambio de un alimento no perecedero o un juguete en buen estado.

Se les recuerda que pueden venir a traer su donativo a este Museo y pedir sus boletos que necesiten, ya que no hay límite y pueden pedir para los días de su interés.

Este festival se realiza en coordinación con la Dirección de Festivales Internacionales, el Teatro de la Paz y el Museo Francisco Cossío.


Ojala nos acompañan a este festival Navideño.

viernes, 26 de noviembre de 2010

A partir del 1 de Diciembre "Representaciones Guadalupanas" en el Museo Francisco Cossío



La Virgen de Guadalupe es una advocación mariana de la religión católica, cuya imagen se venera en la Basílica de Guadalupe de la Ciudad de México. De acuerdo a la tradición católica, la Virgen de Guadalupe se presentó cuatro veces al indio Juan Diego en el cerro del Tepeyac.

Para comenzar con las actividades decembrinas, se invita a todo el público en general a apreciar la exposición Representaciones Guadalupanas, colección del Museo Francisco Cossío y que gracias al Gobierno del Estado de San Luis Potosí a través de la Secretaría de Cultura se puede ver en la Sala del Rebozo de este recinto cultura a partir del día 1 de diciembre en el horario habitual del museo.

Representaciones Guadalupanas, estará engalanando la Sala del Rebozo a partir de esta fecha y hasta el mes de enero, por lo cual podrá asistir cualquiera de nuestros días de visita a apreciar esta excelente exposición.

Esta exposición Guadalupana consta de 20 piezas entre las que destacan, tejidos, esculturas, óleos, litografías entre otras, de artistas como Juan Sebastián Klauber, José de Ibarra, Juan Borrás, Humberto Valdez , James Reeve, Carmen Esquivel, por destacar algunos.

Durante su última aparición de la Virgen de Guadalupe a Juan Diego, ella le pidió que recogiera unas rosas del cerro y se presentara ante el obispo de México Juan de Zumárraga, frente a quien desplegó su ayate, donde cargaba las rosas, dejando al descubierto la imagen de María, el 12 de diciembre de 1531.

Representada como una joven embarazada, de piel morena y rasgos indígenas, su rostro se inclina hacia la derecha y sus manos se juntan sobre su vientre; está vestida con una capa estilo europeo cubierta de estrellas; parada sobre la luna creciente sostenida por un ángel y detrás de ella el sol, que la rodea de rayos dorados. En representaciones posteriores muchas veces lleva corona y en ocasiones el rostro mirando hacia la izquierda.

El cerro del Tepeyac fue un importante sitio de peregrinaciones religiosas desde épocas prehispánicas, donde se rendía culto a Tonatzin (nuestra madre) que es una diosa de la mitología azteca, en ocasiones identificada como la madre de Quetzalcóatl, otras veces como su esposa y parte de su dualidad, especialmente en su forma de Cihuacoatl. El templo fue destruido durante la Conquista de México, aunque los franciscanos, conocedores de la importancia religiosa del santuario indígena, mantuvieron una pequeña ermita en este lugar.

PROGRAMA DE FIN DE SEMANA «INTERFERENCIAS» del 26, 27 y 28 de noviembre de 2010 en el Centro de las aRTES -Centenar



«The bed behind the river, distil the skin»
Design and interpreter: Cris Oliveira (Brasil)
Music - Part 1: «Prélude» – Debussy
Original Music Composition: Fernando Garnero (HR / FR)
Singer: Anne Rodier (FR)
Percussion: Heléne Colombotte (FR)
Guitar: Evan Gardner (USA / Germany)
Electronic music: Daniel Zea (Columbia / Switzerland)
Videos: Mathieu Bourliouz (FR)
Duration: 30 min.

«La cama detrás del río, destila la piel». El trabajo de investigación para esta pieza, comienza con la carga simbólica propia de algunos líquidos orgánicos (miel, sangre, leche, agua, aceite) y su interacción metafórica con la piel. Las sustancias acuosas inspiraron un movimiento que busca fluidez y una adecuación del esfuerzo. La viscosidad de las sustancias modula la intensidad y la velocidad de los movimientos. Siguiendo este reto se genera un fluir a veces lento y continuo y otras violento.

The research came from the symbolism of organic liquids (Honey, blood, milk, water, oil) and its interaction with the front skin and metaphorically (second Shivaísta Philosophy). Aqueous substances have suggested a movement in search of fluency and adequacy of the effort. The viscosity of the substances are modulates the intensity and speed of movements. This challenge is driving the flow sometimes slow and continuous, and other that can be violent. The trajectory, as one who follows through to the other side of the mirror to know by touch the image itself.
© Fondation Royaumont
• The work was conceived during the program «Transform Perceptions» (2009/2010) at the Royaumont Fondation - Paris directed by Myriam Gourfink.

«Absence of means» (Premiere/ first-draft)
Made and performed by Benjamin Kamino (Canadá)
Music: Taj Mahal, Broken Social Scene, Do Make Say Think
Duration: 25 min.

«Ausencia de significado» es un intento de desmantelar y presentar el apparatus del deseo y de los mecanismos internos que lo sustentan. La construcción de la identidad, la carta de amor, el deseo corporeizado, el momento de querer alcanzar algo, son todos aspectos que construyen una desidentificación y la construcción de fantasias - siendo todas funciones del apparatus. Poniendo a prueba la estabilidad del apparatus al remover sus partes esenciales, se busca isolar los momentos de división impuestos a la identidad por el apparatus persiguiendo el collapso del mismo.

Absence of means is an attempt at dismantleling and laying out for observation desire and its inner mechanisms. The construction of identity, the love letter, embodied desire, the moment of pursuit are all aspects of mis-identification and the construction of fantasies - all are functions of the apparatus. Testing its stability by removing essential parts, the goal is to isolate moments of division imposed on identity by desire. All this in hopes that the apparatus can be profaned back into the unknown.

Thank you to
Celia Spenard-Ko, Matt John Robinson, Sam Carter, Jason Apostolopoulos, "General Labours: Do What You Can" and the Canada Council for the Arts for support.

Sábado 27 de noviembre / 19:30 hrs.



«Own it: Ugliness and deconstruction»
Creation/Performing: Josefine Larson (Suecia)
Credits: The Swedish Arts Grant Committee, Nacka Young Culture Grant, Bermuda Triangle, Interferencias Encounter.
Duration: 28 min.

«Hazlo tuyo: Fealdad y deconstrucción» Tomando como punto de partida tres coreografías que han influenciado la idea de mi misma como artista, este es un solo con un canon personal como fuente de inspiración. Métodos, principios y parámetros escogidos subjetivamente de las piezas escogidas son la base de un solo que se ha desarrollado en colaboración con Helena Stenkvist.

Taking its start in three pieces of choreography that has influenced me and my idea of myself asan artist, this is a solo with my personal canon as divine source of inspiration. Methods, principles and subjectively choosen parameters from those pieces are the base of a work that has been a collaborative solo process with Helena Stenkvist



«Own it: why my love for dances makes me experience some meaning and then makes
me want to be a lawyer»
Creation/Performing: Helena Stenkvist (Suecia)
Credits: The Swedish Arts Grant Committee, Bermuda Triangle, Interferencias Encounter.
Duration: 28 min.

«Hazlo tuyo: por qué mi amor por la danza me hace vivenciar algunos significados y luego me hace querer ser un abogado»: Tomando como punto de partida tres coreografías que han influenciado la idea de mi misma como artista, este es un solo con un canon personal como fuente de inspiración. Métodos, principios y parámetros escogidos subjetivamente de las piezas escogidas son la base de un solo que se ha desarrollado en colaboración con Josefine Larson Olin.

Taking its start in three pieces of choreography that has influenced me and my idea of myself as an artist this is a solo with my personal canon as divine source of inspiration. Methods, principles and subjectively choosen parameters from those pieces are the base of a work that has been a collaborative solo process with Josefine Larson Olin.

Domingo 28 de noviembre / 18:00 hrs.


«Interrupted»
Creation/Performing: Pierre-Yves Diacon (Suiza)
Producer: Cie Mondes Transversaux
Music: Pierre-Yves Diacon
Duration: 25 min.

«Interrumpido»: Poco a poco volviendo a si mismo después de una tormenta, aturdido por el silencio que continua. Este es el punto de partida de Interrupted: un cuerpo inmóvil que busca al tacto reencontrarse a si mismo y entrar en movimiento.¿Cuál es el estado de lo que se interrumpió en su impulso, cortado limpiamente a toda velocidad? ¿Cuál es la textura de esta sensación implacable de algo bruscamente detenido, desconectado o roto dentro de uno mismo? Cómo recuperar la conciencia, cuando estás en medio de un mundo dañado y estático? Interrupted trata de iniciar y poner en el cuerpo un estado frágil de una «caminata hacia».

Coming back gradually to your own self after a storm, being stunned by the silence that remains afterwards.Here starts Interrupted: a motionless body groping for gaining back itself and getting into movement.What is to be interrupted in its tracks, cut neat at full speed? What is the texture of this relentless feeling of something suddenly stopped, disconnected or damaged inside one self? How then to regain full consciousness while being in the midst of a frozen world-wreck? It’s the state of a fragile walk towards, which Interrupted tries to initiate and embody.

«Performance directives»
Concept, video, performer: Ana V. Monteiro (Portugal)
Duration: 25 min.

Las direcciones para un performance (instrucciones de juego) de las Gnossiennes, seis piezas de piano para danza escritas por Eric Satie, son desplazadas del papel a la pantalla, creando nuevas interpolaciones: reubicación de sonidos y funciones del intérprete en relación al público.
The performance directives (instructions de jeux) of the Gnossiennes, six dance piano pieces, written by Erik Satie are displaced from paper to screen, creating other kinds of displacements: displacements of sound, movement and of the functions of the performer and audience.

Costo a presentaciones por día: $30.00
(50% descuento a estudiantes y adultos mayores con credencial vigente)
Centro de Arte y Nuevas Tecnologías (CANTE) y Área de Artes escénicas del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario,
Calzada de Guadalupe núm. 705, Col. Julián Carrillo. Teléfono 137 4100, exts. 6002, 7003 y 7004

CRISTIANE OLIVEIRA (Brazil / Brasil)

Cris Oliveira nació en Brasil, yse ha formado en Danza clásica, danza contemporánea e improvisación. Participó en varios talleres dirigidos por profesionales reconocidos internacionalmente. Se graduó en teatro (2005) y tiene un postgrado en Gestión Cultural (2007) Belo Horizonte/MG Brazil. Es productora de cine.
Fue miembro del «Balé de Rio Preto» (2000) y del «Palácio das Artes» dance Company, durante 8 años en donde trabajó con el método BPI (Bailarín-intérprete-creador), desarrollado por Graziela Rodrigues. En 2005 obtuvo el premio a major bailarín en Minas Gerais – SIMPARC de críticos de arte, por su desempeño en «Coreografia de Cordel» presentada en París (durante el año de Brasil en Francia), en Amman, Ramalah y en la plataforma internacional de danza de Beirut-BIPOD. Desde 2006 ha desarrollado trabajos independientes en colaboración con otros artistas; entre éstos: la instalación-performance «Para todas as Marias» (2006); produjo y dirigió el documental «Uma cachaça que se chama Dança» en coproducción con FID 2008 (www.fid.com.br). En esta misma línea de investigación creó «Dance Space» una pieza para espacios urbanos presentada en la 6ta Bienal de Danza SESC Santos (2009) y en el festival Mova-se en Manaus/AM (2010). Cris imparte talleres de danza contemporánea e improvisación. Fue beneficiara del apoyo 'L'association des Amis de Royaumont' en el marco del programa «Transforme- Perceptions», en la Fundación Royaumont-Paris (www.royaumont.com), dirigida por Myriam Gourfink. Actualmente es artista residente del proyecto «Colaboratório 2010» que forma parte del Festival de Danza Panorama con el grupo de trabajo del Centro Coreográfico de Río de Janeiro.

Cris Oliveira was born in Brazil, and has training in Classical Ballet, Contemporary Dance and Improvisation. She participated in WS with internationally recognized professionals She is graduated in Theatre (2005) and post-graduate degree in Cultural Management (2007) in Belo Horizonte/MG Brazil. She is also a movie producer.
She was member of Balé de Rio Preto (2000) and during eight years (2001-2009) of the ‘Palácio das Artes’ dance Company. In 2005 she received the prize for best dancer in Minas Gerais-SIMPARC of art critics, for her role in «Coreografia de Cordel» - Presented in Paris-The Brazil’s year in France; Amman, Ramalah and Beirut-BIPOD International Dance Platform. Since 2006 she develop independent works in partnership with other professionals, among them: Para todas as Marias (2006) performance-installation; she produced and directed the documentary, Uma cachaça que se chama Dança (The cachaça called dance) in co-production with FID 2008 www.fid.com.br. Continuing this research project she created Dance Space performance in urban spaces presented at the 6th Biennale of Dance SESC Santos (2009) and Mova-se Dance Festival in Manaus/AM (2010). The artist also teaches workshops in contemporary dance and improvisation. She was received the scholarship by 'L'association des Amis de Royaumont' to do the Program 'Transforme- Perceptions', at the ‘Fondation Royaumont - Paris www.royaumont.com, directed by Myriam Gourfink. Actually she’s resident artist in the project Colaboratório 2010 part from the Panorama Dance Festival in the working group of the Rio de Janeiro Choreographic Center.

BENJAMIN KAMINO (Canada / Canadá)

Benjamin Kamino inició sus estudios de danza en Toronto, Canada con la PBJ dance company y la Escuela de Artes Etobicoke, en donde se formó bajo la tutela de Shari Wolfson, Laurie Raymond, Colleen Freidman. En Toronto también trabajó con el coreógrafo Peter Chin en su premiada película Streetcar. Después de mudarse a Nueva York Ban trabajó con los coreógrafos Alethea Addsit, Charlotte-Boye Christenson, Tracy Lang, Emily Pope-Blackman, Sho Ikushima, Danielle Russo, Ashley Brown y Emily Harper además de desarrollar su propio trabajo creativo.
Benjamin se graduó en Bellas Artes en la NYU’s Tisch School of the Arts en mayo 200

También colaboró con Edisa Weeks y su compañía Delirious Dance Co. Obtuvo la beca Danceweb que le permitió trabajar con coreógrafos como Ezter Salamon, Christine De Smedt, Philip Gehmacher, Rasmus Olme, David Zambrano, Jennifer Lacey, Jeroen Peeters, Martin Nachbar. Ha tomado talleres impartidos por Shannon Cooney, Benoit Lachambre, Peggy Baker, Misha Glouberman, DD Dorviller, Nicole Haitzinger, Bruno Caverna,, Zvi Gotheiner, Laura Aris Alvarez, Peter Jasko, Frey Faust, Jacob Zimmer y John Jasperse.

Como intérprete, ha bailado «Transformers» de Ezter Salamon y Christine De Smedt, «Appropriation #3: Manual for Incidence» Ame Henderson de Benjamin Kamino, «Petite Riviere» de Antonija Livingstone, «It’s about time: 60 dances in 60 minutes» de Michael Trente, «Bloodletting and other pleasant things» de Tony Chong, «Double Bill #1» codirigida por Ame Henderson, «Walls» de Charlotte Boye-Christenson, “Elephant Dreams” y “Liasons: The living room project” de Edisa Weeks with dancers, “Blink: The Indelible Blue Wall Coda” de Alethea Adsitt.
Actualmente, Benjamin está de gira con la Compagnie Marie Chouinard en distintas ciudades de Europa y está creando el proyecto general labour.

Benjamin Kamino started his dance training in Toronto Canada with the PBJ dance company and the Etobicoke School for the Arts, where he was under the guidance of Shari Wolfson, Laurie Raymond, Colleen Freidman. While in Toronto, Benjamin also worked with the choreographer Peter Chin in his award winning film Streetcar. After moving to New York Benjamin worked with choreographers Alethea Addsit, Charlotte-Boye Christenson, Tracy Lang, Emily Pope-Blackman, Sho Ikushima, Danielle Russo, Ashley Brown and Emily Harper as well has creating and performing his own work. Benjamin completed his BFA in Dance at NYU’s Tisch School of the Arts in May 2008. he also worked with Edisa Weeks and her company Delirious Dance Co. He got the danceweb scholarship where he worked with Ezter Salamon, Christine De Smedt, Philip Gehmacher, Rasmus Olme, David Zambrano, Jennifer Lacey, Jeroen Peeters, Martin Nachbar. He has taken workshops with: Shannon Cooney, Benoit Lachambre, Peggy Baker, Misha Glouberman, DD Dorviller, Nicole Haitzinger, Bruno Caverna,, Zvi Gotheiner, Laura Aris Alvarez, Peter Jasko, Frey Faust, Jacob Zimmer and John Jasperse.

He has performed «Transformers» by Ezter Salamon and Christine De Smedt, «Appropriation #3: Manual for Incidence» Ame Henderson by Benjamin Kamino, «Petite Riviere» by Antonija Livingstone, «It’s about time: 60 dances in 60 minutes» by Michael Trente, «Bloodletting and other pleasant things» by Tony Chong, «Double Bill #1» co-directed by Ame Henderson, «Walls» by Charlotte Boye-Christenson, «Elephant Dreams» and «Liasons: The living room project» by Edisa Weeks with dancers, «Blink: The Indelible Blue Wall Coda» by Alethea Adsitt.
Benjamin is actually touring with the Compagnie Marie Chouinard in different festivals in Europe and developing the project general labour.

JOSEFINE LARSON (Sweden/ Suecia)

Graduada en 2009 como bailarina por la Balettakademien de Estocolmo, con formación previa en artes visuales. Trabajó con los coreógrafos de origen sueco Anna Koch, Marie Fahlin y Tove Sahlin y bailó en la Casa de la Danza, Weld (Estocolmo), Ung scen/Öst y el Made festival (Umeå).

En 2009 recibe la beca danceWEB en Viena en donde participa en trabajos de Anne Juren. El otoño pasado tomó parte en la residencia con Danskonstkollektivet Sch!! en Noruega y bailó en trabajos del grupo de arte Superamas. Trabajó como bailarina y coreógrafa en teatro y televisión y es iniciadora y miembro de la Af Dalmatinerhjärta Foundation. Josefine desarrolla diferentes facetas artísticas, como mezclar música y cantar, entre otras.

En el verano del 2010 trabajará con la nueva constelación del Triángulo de las Bermudas (Stina Nyberg y Helena Stenkvist) en PAF, Francia, apoyada por el Swedish Arts Grant Committee.

Graduated in 2009 as a dancer from Balettakademien in Stockholm, and has a background in visual arts. She has worked with the Swedish choreographers Anna Koch, Marie Fahlin and Tove Sahlin and performed at the House of Dance, Weld (Stockholm), Ung scen/Öst and the Made festival (Umeå).
In 2009, she was awarded a danceWEB scholarship in Vienna where she participated in works by Anne Juren. Last autumn, she took part in a residency with Danskonstkollektivet Sch!! in Norway and danced in works by the performance art group Superamas. She has worked as a dancer and choreographer in theatre and television and is initiator and member of the Af Dalmatinerhjärta foundation. Josefine is multitasking in several artistic contexts, through dj-ing and singing, among others. The summer of 2010 she will work within the new constellation The Bermuda Triangle (Stina Nyberg and Helena Stenkvist) at PAF, France, supported by the Swedish Arts Grant Committee.

HELENA STENKVIST (Sweden / Suecia)

Graduada en 2007 como bailarina por Laban en Londres, con un BA en Danza Teatro. Ha trabajado con el colectivo Superlativer Arts performance con base en Londres para varios proyectos de colaboración interdicsiplinaria. Ha trabajado frecuentemente con el coreógrafo Nicholas Quinn y juntos realizaron la residencia «Point Ephemère» en Paris, en donde trabajaron en el concepto de práctica y excelencia en la pieza «We can´t play guitar, do sports commentary or juggle with three balls, but we can actually knit». También trabajó en la plataforma de discusiones discursivas «The Band speaks out together« con Nicholas Quinn y Christopher Engdahl.

En 2009 recibe la beca danceWEB en Viena, donde participa en trabajos de Anne Juren. En el verano de 2010 trabajará con la nueva constelación del Triángulo de las Bermudas (Stina Nyberg y Helena Stenkvist) en PAF, Francia, con el apoyo del Swedish Arts Grant Committee. Helena tiene un BA en periodismo por la Lunds University de Suecia y trabaja como escritora independiente, colaborando con varios periódicos y con la revista de danza sueca Danstidningen.

Durante el otoño de 2010 desarrollará un proyecto de danza en podcast llamado «Dance and other relatives» que cuenta con el apoyo de KKNORD.

Graduated in 2007 as a dancer from Laban in London with a BA in Dance Theatre. Amongst others she has worked with Superlativer Arts performance collective based in London for various projects based on principles of cross disciplinary collaboration. She had frequently worked with choreographer Nicholas Quinn and togeteher they held a residency at Point Ephemere in Paris where they worked on the concept of practice and excellence in the piece «We can´t play guitar, do sports commentary or juggle with three balls, but we can actually knit». She has also worked on a platform for discursive discussuin named the Band speaks out together with Nicholas Quinn and Christopher Engdahl.

In 2009, she was awarded a danceWEB scholarship in Vienna where she participated in works by Anne Juren. In the summer of 2010 she will work within the new constellation The Bermuda Triangle (Stina Nyberg and Helena Stenkvist) at PAF, France, supported by the Swedish Arts Grant Committee. Helena also holds a BA in journalism from Lunds University Sweden and works as a freelance writer, she has contributed to various newspapers and the swedish dance magazine Danstidningen. During the autumn of 2010 she will develope further a dance podcast projetc called Dance and other relatives. A project that follows up a study suported by KKNORD.

PIERRE-YVES DIACON (Switzerland / Suiza)
Lausanne (1979)

Coreógrafo, bailarín en danza contemporánea, breakdancer y asesor dramatúrgico, funda la compañía Mondes Transversaux en 2008. Estudió en la escuela School for New Dance Development en Amsterdam (2003-2007). De Julio 2008 a marzo 2009 participa en el programa de formación coreográfica continua Transforme en el CRCC de la fundación Royaumont (Francia). Obtiene en 2009 la beca danceweb para participar en el Impulstanz International Dance Festival y es elegido para participar en el programa de residencia NOMAD 2010 en Macedonia, Serbia, Bulgaria, Croacia y Eslovenia. Ha creado Interrupted. (#1), Interrupted. (#2), Le Soupir de la Créature y Au loin, les clameurs presentándose en varios concursos y festivals en Holanda, Barcelona, Islas Canarias, Italia, Beirut y Suiza. También ha desarrollado en colaboración algunas piezas más experimentales como: Circonvolutions Imaginaires (2006), Territoire mouvant (2007) and Quelque chose de périssable (2008/9).

Es artista invitado para participar con las compañías Magpie Dance & Music Company (Holanda) and Les Imprévisibles (Bordeaux), Volovia y ha bailado en las producciones de Teatrodanza Tiziana Arnaboldi, Kenzo Kusuda, Gabriella Maiorino, Vincent Verburg, Nora Heilmann, Nita Liem. La artista recibió la maxima beca que otorga EMPAC (Experiemental Media and Performing Arts Center) en Nueva York, para realizar un proyecto de videodanza (Dance Movies Comission 2009-2010). En 2009, fue benficiaria del apoyo que otorga el FONCA con el Programa de Intercambio y Resdiencias Artisticas, en Praga, en Republica Checa. En sus inicios, fue beneficiaria del apoyo que otorga el FOECA dentro del Sistema Estatal de Jóvenes Creadores en 2008 en la ciudad de Cuernavaca, Morelos.

Como ejecutante formó parte del Taller Profesional de la compañia Fóramen M. Ballet, agrupación de danza contemporánea con sede en la Ciudad de Cuernavaca (2007-2009) Formó parte de la Compañía Interdisciplinaria de Danza "Devorarte" en la Ciudad de México (2009). Ha participado en diversos proyectos escénicos con diversos coreografos y asi mismo realiza proyectos personales que se llevan a cabo en la generacion de nuevos colectivos con la participación de diversos artistas escénicos, visuales y multimedia (2009-2010).

Laussanne (1979)

Professional dance maker, contemporary dancer and dramaturge advisor. He is the artistic director of Les MondesTransversaux.

Also a breakdancer since 1991. He took progressively part of various underground hip-hop events performing in Switzerland, then Italy (Rimini), France (Bordeaux, Nice), Germany (Berlin, Hamburg), Canada (Toronto) and the Netherlands (Amsterdam Denn Haag, Leiden). He engaged in 2002 a more personal process of artistic growth in transversal of varios dance practices.

From August 2003 to July 2007, dance creation at the School for New Dance Development (Amsterndam). From july 2008 to march 2009, he participated in the programme Transforme (cycle of continues formation in choreography) at the CRCC in the Foundation Royaumont (France).

He got the danceweb scholarship for the Impulstanz International Dance Festival and also he was part of the NOMAD 2010 program in the Balkans. He created Interrupted (#1), Interrupted (#2), Le soupir de la creature and Au loin, les clameurs, which have been presented within contests and international festivals in the Netherlands, in Catalonia and in the Canarias Islands (Spain), Italy, Byrouth and Switzerland. He as well developed more experimental group pieces: Circonvolutions Imaginaires (2006), Territoire Mouvant (2007) and Quelque chose de perisable (2008/9).
He is puctually invited as guest artist for improvised public perfomances by th Maggie & Music Company (Amsterdam), Les Imprevisible (Bordeaux) and Volovia.

ANA V. MONTEIRO (Portugal)

Ana es una artista escénica nacida en Portugal. Estudió teatro y danza contemporánea. Si tuviera que mencionar algunos nombres con respecto a su formación, mencionaría: Claudia Dias, Loic Touze, Miguel Pereira, Joao Fiadeiro, Nature Theater of Oklahoma. Como artista intependiente decide mencionar el trabajo de Tino Sehgal. En el 2009 es becada por Inov-Art Grant para una residencia de nueve meses en Betonsalon-Art y en el Research Center en Paris.

Actualmente estudia el master Solo/Dance/Authorship (SODA) en Berlin. Está interesada en pensar sobre metodologías de producción y circulación del conocimiento, teoría y práctica, DIY, políticas, amor, filosofía, colaboraciones y caminatas.

Ana is a performer artist born in Portugal. She studied theater and contemporary dance. If she would have to do some dropping in relation to her formation, she would drop this ones: Claudia Dias, Loic Touze, Miguel Pereira, Joao Fiadeiro, Nature Theater of Oklahoma. As a free lancer she chooses to mention the work of Tino Sehgal.
In 2009 she is awarded with the Inov-Art Grant for the nine month intership and artistic residency in Betonsalon-Art and Research Center in Paris. She is currently attending the MA Solo/Dance/Authorship (SODA) in Berlin. She is interested in thinking about modes of knowledge production and circulation, theory/practice, DIY, politics, love, philosophy, collaboration and walks.

Fin de semana de rock, world beat y jazz en el LOVE CAFE

Viernes
Noches OKEY-->Dos Bandas en el escenario "Galo de OKEY" y desde Monterrey " BARRIO CHACHIN" NO COVER--2x1 en JACK DANIEL"S

Sábado
PAMALANGA en Love --> Noche de gala con esta súper banda
NO COVER

Domingo
JAZZ EN LOVE--> todos los domingos son de jazz en love y esta vez te presentamos a Samuel Martínez en el piano/Manolo Cossío en la batería/Ricardo Vega en el contrabajo / y una presentación especial del Maestro Martínez Zapata /NO COVER

LOVE/Arista#1220/Tekis/SLP
62*238747*8

jueves, 25 de noviembre de 2010

RECITAL DE CANCIONES FERROCARRILERAS, ESTE 25 DE NOVIEMBRE EN EL MUSEO JESUS GARCIA CORONA


EL GOBIERNO DEL ESTADO DE SAN LUIS POTOSÍ Y LA SECRETARIA DE CULTURA A TRAVÉS DEL MUSEO DEL FERROCARRIL "JESÚS GARCÍA CORONA", PRESENTAN:

RECITAL DE CANCIONES FERROCARRILERAS

INTERPRETADO POR:

EL TENOR FERNANDO "EL CHINO GONZÁLEZ"

JUAN PABLO RIVERA la guitarra

SVETLANA GALINSKAYA en el cello

JUEVES 25 DE NOVIEMBRE 20:OO hrs.

Del 4 al 12 de Diciembre, el Festival de danza contemporánea OCOH-TIC-lo bailamos, lo danzamos- celebra en Mérida, Yucatán



El Festival Oc’-Ohtic creado por Graciella Torres, fue un proyecto aprobado por el CONACULTA a través del FONCA en 1994 y 1995, avalado por el INBAL por medio de la Coordinación Nacional de Danza y la Red Nacional de Festivales de Danza, así como por el Intituto de Cultura de Yucatán.

En el año 2003 la Compañía de Danza Contemporánea de Yucatán se convierte en una Asociación Civil arropando en su objeto social al Festival Nacional e Internacional de Danza Contemporánea Oc’-Ohtic (lo bailamos, lo danzamos) como una de sus acciones principales , obteniendo registro nominativo y de marca. Los apoyos oficiales Federal y Estatal se mantienen incorporándose en el 2005 el respaldo Municipal a través de la Dirección de Cultura del H. Ayuntamiento de Mérida; en 2009 y 2010 el Festival se fortalece a través del Proyecto “La Danza Trascendencia en Yucatán y en el Mundo” apoyado por el CONACULTA.

El Festival Oc’-Ohtic tiene una presencia activa en la difusión de la Cultura entre públicos amplios y diversos. Es una forma de potenciar el patrimonio de varias generaciones de bailarines, coreógrafos, maestros de México y del extranjero. Su desarrollo se constituye en un valioso legado para nuestra sociedad y comunidad artística.

El Festival reúne y presenta a las mejores expresiones del Arte dancístico de diversas latitudes deseosas de recibir la oferta creativa de cada agrupación siendo una oportunidad para estrechar los lazos culturales con Estados vecinos del país y las naciones amigas que aceptan la invitación para presentarse en nuestra tierra.

Un valor especial es la participación de la Iniciativa Privada, la cual suma esfuerzos con las personas y artistas que colaboran en la planificación, organización y difusión de las actividades, llegando a un verdadero intercambio valioso entre artistas, público propio y extraño que visita el Mayab en el período de realización del Festival Oc’-Ohtic. Es un vehículo donde las aportaciones, contribuciones y donativos han hecho un gran impacto procurando un incremento de benefactores que consolidan su presencia año a año.

El Festival en su afán de renovación a propuesto desde el año 2006 el uso de TEMATICAS como “Danza para Niños”, “Sensualidad y Erotismo” “Estilos definidos y nuevas Tendencias” “ XV Años…Una Historia” y ahora en 2010 “Mexicanidad…Fortalecimiento a los Grupos y Compañías de la Provincia”, conservando siempre el abanico de estilos diferentes de gran calidad artística.

El Festival Oc’-Ohtic es uno de los eventos más sobresalientes del Festival Anual de las Artes-Otoño Cultural de siempre.

miércoles, 24 de noviembre de 2010

Espectàculo" muerte y revoluciòn", este 26 de Noviembre en el Patio Central de la Universidad

Presentaciones performàticos para el 25 De Noviembre dentro del Encuentro Internacional del Performance



«Nevermind: la persistencia de los pequeños detalles»
Concept + direction + dance: Carolina Guerra
Colaboration and assitance: Vera Garat y Lucía Naser
Music: Daniel Johnston (The monster inside of me)
Duration: 20 min.
Foto: Juan Frau

La autobiografía hace público aquello privado, expone una escena de vida polifónica, se convoca la diversidad de voces que conforman a un sujeto; no se trata, pues, sólo de la autobiografía, sino también de la heterografía - inscripción de los otros en la construcción identitaria - y la tanatografía - escritura del yo que bordea aquello que Paul de Man llama un «apuro lingüístico», la muerte.» Lorena Amaro (Madrid) «Nevermind: la pesistencia de los pequeños detalles» es una obra auto-referencial, autobiográfica. Parte de lo vivencial pero se relaciona con otras experiencias a través del sustrato común constituido por lo universal-singular de la experiencia de vivir.


«Nevermind: la persistencia de los pequeños detalles»: The autobiography does public what is private, presents a scene of polyphonic life, convenes diverse voices that make up a subject, it is not, therefore, only an autobiography, but also the heterografíaregistration of others in the identity construction, and the tanatografía -writing of the self that border what Paul de Man calls a «linguistic predicament», the death. «Lorena Amaro (Madrid) It is a work born of the necessity». The need to share some experiences that marked my way as a person. I work from a place where the material from the scene emerges from my mind and from my own initiative and sensations. This is a self-referential work, autobiographical. Come form experiential but is related to other experiences through the common substrate constituted of the universal-singular experience of living.


«0 grado»
Creation/Performing: Vera Garat
Duration: 20 min.

El cuerpo como un objeto guía y transforma el espacio, abre canales hacia la imaginación. 0 grado es un sintetizador de imagines y preguntas. Es una invitación al público para estimular la imaginación desde un lugar muy sencillo de escucha y suspensión del tiempo. Usand el movimiento y las acciones para develar nuevas áreas, espacios y sensaciones, habitando el presente.

The body like object that leads and transform the space, opens channels towards the immagination. 0 grado is a synthesizer of images and questions. It is an invitation to the public to stimulate the imagination from a very simple place of listen and suspension of the time. Using the movement and the action as unveild of news areas, spaces and sensations, inhabiting the present.

Costo a presentaciones por día: $30.00

Centro de Arte y Nuevas Tecnologías (CANTE) y Área de Artes escénicas del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario,
Calzada de Guadalupe núm. 705, Col. Julián Carrillo. Teléfono 137 4100, exts. 6002, 7003 y 7004


VERA GARAT (Montevideo - Uruguay)

Comienza su formación en el año 1996. Se forma con destacados docentes nacionales y extranjeros. Egresada del «Plan Piloto de Danza Contemporánea» (UdelaR) y de la «Primera Escuela de Danza Moderna del Uruguay». Participó en festivales y encuentros internacionales en Chile, Cuba, Venezuela, Perú, Holanda y Uruguay. Forma parte del proyecto Internacional Performer Laboratory dirigido por Khosro Adibi.
Formación independiente en técnicas de danza contemporánea, improvisación y contact en Latinoamérica y Europa, con maestros entre otros como: Julyen Hamilton, Nancy Stark Smith, Jennifer Lacey, Juan Cruz Díaz de Garaio, Jeremy Nelson, Karl Frost, Martin Keogh, Alito Alessi, Vanilton Laka, Eugenia Estévez, Mary Bardet, Lucas Cóndro, Carolina Picard, Anna Garat, María Inés Villasmil, Jean R. Leduc, Félix Marchand, Miguel Jaime, Leticia Mazur, Khosro Adibi, Eckard Muller, Daniela Schwartz, Florencia Martinelli, Carolina Besuviebsky, Andrea Arobba, Florencia Varela, Mariana Di Paula , Ayara Hernández, Verónica Steffen. Ha investigado y trabajado como creadora y bailarina de obras de danza y videoarte tales como «Vos sos yo», «Distancia», «Tercero», «SSHH», «Sincrónico», «La extraña estrategia de los oficios cíclicos», «Atrás», «Las nenas de Pepe», «Das», «Muletas», «Freezer» y de video danza como «Magenta», «Triptico», «Casi». Fue premiada en el primer y segundo Encuentro de Danza Joven IMM. Recibió la Beca de la Fundación Chamangá (Francia-Uruguay).
Actualmente trabaja en el desarrollo de la improvisación en Uruguay e investiga en el área de la composición. Sus ultimos trabajo son «0 grado» presentado en Uruguay en la sala Subte y en Paris en el teatro Darius Milahud en el corriente año y «Experimento de a dos sobre una canción de amor» presentada en la sala Andes en Concepción - Chile.


Begins her formation in the year 1996. Graduated from the Pilot Plan of Contemporary Dance Républica Oriental del Uruguay University and from the First School of Modern Dance of the Uruguay . She took part in festivals and international meetings in Chile, Cuba, Venezuela, Peru, Holland and Uruguay. She is part of the International Performer Laboratory proyect directed by Khosro Adibi. Independent formation in contemporary dance tecniques, improvisation and contact in Latin America and Europe, with teachers like: : Julyen Hamilton, Nancy Stark Smith, Jennifer Lacey, Juan Cruz Díaz de Garaio, Jeremy Nelson, Karl Frost, Martin Keogh, Alito Alaessi, Vanilton Laka, Eugenia Estévez, Mary Bardet, Lucas Cóndro, Carolina Picard, Anna Garat, María Inés Villasmil, Jean R. Leduc, Félix Marchand, Miguel Jaime, Leticia Mazur, Khosro Adibi, Eckard Muller, Daniela Schwartz, Florencia Martinelli, Carolina Besuviebsky, Andrea Arobba, Florencia Varela, Mariana Di Paula, Ayara Hernández, Verónica Steffen.She has investigated and worked like creator and performer in works of dance such as «Vos sos yo», «Distancia», «Tercero», «SSHH», «Sincrónico», «La extraña estrategia de los oficios cíclicos», «Atrás», «Las nenas de Pepe», «Das», «Muletas», «Freezer» and artvideo: «Magenta», «Triptico», «Casi». She was rewarded in the first and second Meeting of Young Dance IMM. She received the

Scholarship of the Foundation Chamangá (France - Uruguay).
Nowadays she is employed at the Uruguay’s development of improvisation researching in the area composition. Her last works are «0 grado» presented in Uruguay in the room Subway and in Paris in the theatre of Darius Milahud and «Experimento de a dos sobre una canción de amor» presented in the Andes theatre in Concepcion - Chile.

II Encuentro Abierto de Danza Contemporánea Independiente: CONOZCAMOS LA DANZA PARA AMARLA



Con la finalidad de promover y difundir el quehacer dancístico del Distrito Federal, propiciar nuevos espacios y el esparcimiento de la danza a través de nuevos públicos.

Así como proveer de espacios de formación y profesionalización a públicos interesados.

El Centro de Salud, Cultura y Artes eSpacioAbierto convoca a todas las compañías, grupos y organizaciones de géneros dancísticos, a participar en el II Encuentro Abierto de Danza Contemporánea INDEPENDIENTE

A realizarse el día 11 de Diciembre del presente año a las 20:00hrs.

En ésta ocasión el encuentro se celebrará a manera de concurso, dentro del cual se premiará a las agrupaciones ganadoras con los siguientes estímulos:

1ER LUGAR: 3 FUNCIONES AUSPICIADAS EN EL FORO ALTERNATIVO eSpacioAbierto y 1 mes de ensayos gratuitos en sus instalaciones.

2DO LUGAR: 2 FUNCIONES AUSPICIADAS EN EL FORO ALTERNATIVO eSpacioAbierto.

3ER LUGAR: 1 FUNCIÓN AUSPICIADA EN EL FORO ALTERNATIVO eSpacioAbierto.

Entrada libre al evento y las funciones, cupo limitado a 50 lugares.

II Encuentro Abierto de Danza Contemporánea Independiente - CONCURSO Y PREMIOS DE ESTIMULACIÓN

CONCIERTO A BENEFICIO DE LA ESCUELA MUNICIPAL DE FORMACIÓN MUSICAL A CARGO DE LA ORQUESTA SINFONICA DE SAN LUIS. ESTE 27 Y 28 DE NOVIEMBRE



La Dirección de Cultura Municipal y la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí se unen para la realización de dos conciertos que se realizarán en el Centro Cultural Universitario Bicentenario los próximos 27 y 28 de noviembre.

Los conciertos son a beneficio de la Escuela Municipal de Formación Musical, ya que se pretende dotar de instrumentos a los alumnos, además de mejorar los espacios en donde actualmente ensayan.

La encargada de abrir el evento será la Banda Sinfónica Juvenil Municipal y se contará con la participación de Alicia Medrano Hernández, quien es alumna destacada de la Escuela Municipal de Formación Musical, además de tener la importante presencia del pianista Vladimir Petrov.

Alicia Medrano Hernández, inició sus estudios de piano con la Mtra. Leticia Almazán de la Garza, en la Casa de Cultura del barrio de "San Miguelito" y después en la Escuela de Iniciación Musical "Amadeus" para luego ingresar a la Escuela Municipal de Formación Musical.

También ha tomado clases de perfeccionamiento con la Mtra. Malkuth Zavala Díaz de León. A sus 15 años de edad, ha obtenido 3º, 2º y 1er. Lugar, en el Concurso Estatal de Piano que organiza el Gobierno del Estado de San Luis Potosí: "Miguel C. Meza". Se ha presentado en diferentes salas de esta ciudad como: el Centro de Difusión Cultural, Casa de la Cultura "F. Cossío", Sala de "Los Cronistas" en Palacio Municipal, Sala "Flavio F. Carlos" del Teatro de la Paz, Sala "Raúl Gamboa" del I.P.B.A., Casas de cultura de los barrios "San Miguelito" y “San Sebastián".

El costo del boleto es de $100 pesos en luneta y $80 pesos en primer piso y pueden adquirirse en las oficinas de la Dirección de Cultura Municipal ubicadas en Jardín Hidalgo # 5; en la sede de la Orquesta Sinfónica de San Luis Potosí, Jardín Guerrero #10, ambas en el Centro Histórico o bien en las taquillas del Centro Cultural el día del evento.

martes, 23 de noviembre de 2010

14 Tour del Cine Francés, muy pronto en la Cineteca Alameda

“Cabo Tuna” EL DOCUMENTAL, se presenta este 25 de Noviembre en el Paraninfo Universitario Rafael Nieto



La Universidad Autónoma de San Luis Potosí a través de Televisión Universitaria presenta el documental: "Cabo Tuna" que narra el inicio de la Facultad de Ciencias de la UASLP, pero sobre todo la odisea de sus estudiantes y maestros al desarrollar un proyecto de investigación que los llevó a una aventura que duró más de dos décadas. Dicho proyecto consistió en el diseño, construcción y lanzamiento de cohetes.

El documental cuenta también con la participación del Fís. Gerardo Saucedo, quien en sus años como alumno participó en el desarrollo de la serie de cohetes Filoctetes. Además de la entrevista con el Dr. Alejandro Pedroza.

El cortometraje se presentará el próximo jueves 25 de noviembre en el Auditorio Rafael Nieto, a las 18:00 hrs. Entrada Libre.

Llego para quedarse la contundente sonoridad de Transmetal en el Mexican Metal Revolution 2010


Por: Roberto A. Valenciano Capín.

Sin lugar a dudas, un festival integrado por auténticas leyendas del metal mexicano, se congregaron en el Mexican Metal Revolution, destacándose una de estas bandas como la más esperadas y queridas por la banda metalera potosina, Transmetal.

Quien compartió el escenario con: Luzbel, Antón Ultratumba, Split Heaven, Ploped God, Fat Destroyer y Deformexed. Todo esto tuvo lugar en la Catedral del Metal; la huerta del S.T.I.C. bajo la organizaciòn de Morbid Visions Producciones

Una de las pocas banda mexicanas que ha destilado con mucho talante entorno a su destino manifiesto dentro del maltrecho metal. Como se dice la vox populli, el buen vino con el tiempo se degusta mejor y esta es una de las particularidades de estos expositores de un trash articulado bajo la old school.

A través del death y el trash, los hermanos Partida buscan siempre renovarse, siendo la incorporación de nueva sangre con sus inconfundibles guturancias vocales de Chris Mempart; quien busca darle una particularidad a lo escuchado no solo vocal sino una sinergia tanto escénica como en su imagen de banda, siendo un ejemplo de ello, al bajar del escenario, cantar y hacerlos bailar y hasta una pequeña víbora de la mar para sin más tener un gran recibimiento por la banda metalera potosina.

Solo bastaron dos horas de puro metal de la vieja escuela, entre la ovación, la cantada y reafirmar porque son del gusto de las diferentes generaciones de gustosos del metal, tocaron tres rolitas más entre ellas el Orgamastrón.

Antes de subir al escenario, en donde se dejaba percibir el aliento de otro decano del Heavy Speed Metal de Luzbel, comandado por Arturo Huízar, tuvimos la oportunidad de saludar y charlar con Lorenzo Partida, bajista de Transmetal y de Mazacuata Producciones. Esto fue lo que nos comento.



“Es un verdadero gusto de estar nuevamente en San Luis Potosí. Esta ciudad es maravillosa que ha acogido al metal como su bandera y bueno, estamos felices de estar nuevamente por acá”.

En cuanto a la preparación de los festejos de sus veinticinco años de hacer metal comento “ Mira el próximo Marzo que es dentro de cinco meses aproximadamente, estaremos festejándolo desde el veintisiete de Marzo del 2011 hasta el veintisiete de Marzo del 2012, los veinticinco años de Transmetal”.

“Para el cual tenemos un festejo grandísimo que es el hacer un disco conmemorativo que se llamará -veinticinco años de Transmetal o algo por el estilo- al tener un tiraje numerado y plateado, además de contener un DVD, una pequeña historia de todos los vocalistas y este tipo de cuestiones que a la gente le gusta. Bueno, ese es el plan inmediato que tenemos”.

Igual, tienen contemplada la llamada -Gira de la Plata- en razón de los veinticinco años, en donde tratarán de visitar casi toda la República Mexicana y remataran con algunos conciertos en Bolivia, Ecuador, Venezuela y casi es un hecho que estén exponiendo su metal en tierras brasileñas.

Hablamos de un disco conmemorativo que reunirá para esta especial ocasión, las canciones que le han dado su permanencia entre la banda o, canciones hechas exprofesas para festejar este significativo aniversario.

“No, serán diez temas nuevos completamente, con la participación del nuevo vocalista Chris Mempart, que es un muchacho de 23 años, bastante animoso y que la gente ha recibido maravillosamente bien y creo que le esta inyectando una nueva vibra a Transmetal, entre estas son la novedades y esperamos que la gente apoye este nuevo disco de Transmetal, porque va a ser una producción independiente y completamente trabajada, vendida por Transmetal”.



¿Cuáles son los retos que afronta la banda de Transmetal? o, en su caso, ¿Qué tan difícil es el reinventarse?.

“Pues yo creo que el mayor reto que siempre hemos tenido ha sido seguir vivos como banda. Veinticinco años es demasiado tiempo para una banda que aún sigue viva y aun sigue teniendo o recibiendo el interés de la gente”

Tanto lo es así, es que la gente lo sigue apoyando totalmente en los conciertos, algunas veces más, algunas veces menos por muchas circunstancias. “Pero creo que somos una banda muy afortunada de tener todo el afecto de la gente, sincera, sencilla, con sentimiento, con poder y bastante energía. Eso si, bastante metal malévolo”.

Por consiguiente, “todo lo que es ahora Transmetal es en parte de nuestro trabajo, pero la parte importante y definitiva es el apoyo de la gente, ya que la gente ha hecho lo que es Transmetal ahora”.

Entonces ¿Cuál es esa magia en Transmetal para que siga permeando tanto en los seguidores de la vieja guardia como en las nuevas generaciones?.

“Fíjate que estamos teniendo nuevos fanáticos de la onda Transmetal que van desde chavitos desde los diez años hasta quince o veinte años que están comprando los primeros discos de Transmetal, es un verdadero honor saber que la gente esta ahí apoyándonos”.

Por otro lado, al referirnos a la magia de este decana banda. “Yo creo que Transmetal es una banda muy afortunada que ha sabido comunicarse con la gente por las cosas que hemos hecho y estamos haciendo tienen una repercusión a nivel emocional en la gente, por eso la gente le gusta Transmetal, porque se identifica con muchas cosas que ellos mismos sienten y nosotros se las recordamos o se las transmitimos como una comunión con el público y el grupo”.

Actualmente ¿Qué tan difícil es el derecho de piso en el Metal?.

“ Pues mira, ahora hay muchísimas bandas muy buenas. Sinceramente las bandas de ahora muchas son mejores que las que surgimos hace veinte o veinticinco años por muchas razones; ahora el hecho de tener internet para alguien que le guste la música puede aprender a tocar de la mejor manera, porque hay una cantidad de información, videos, tablaturas y puedes aprender. Lo que nosotros aprendimos en cinco años, ellos lo hacen en una semana, así de sencillo. Entonces todo esto ha dado más oportunidades a los nuevos músicos, hay músicos muy preparados, hay músicos muy capaces y yo creo que el inconveniente que veo en esto es que no creo que los músicos de ahora tienen la misma pasión y respeto que había antes; porque antes tenías que hacer una serie de trabajos y sacrificios para poder tener una tocada, ahora, simplemente te presentas con tu demo o disco que ya grabas fácilmente y tienes la facilidad de abrir conciertos para bandas de las más famosas”.

Esta es la parte cómoda que ocurre en las nuevas bandas, “pero yo creo que es muy bueno esta situación porque se esta dando a conocer nuevos talentos, gente que tiene cosas que ofrecer y que seguramente ocuparan muy pronto un lugar importante en la escena mexicana del metal”.

Sigue el metal bajo las sombras del underground del underground

“Pues mira, este tipo de metal siempre ha tenido un estigma, una marca o cierto recelo y cierto rechazo de la sociedad en general. Pero ha sido un estilo que ha estado vivo siempre, a veces más a veces menos y esta ahí debajo de la basura, pero ahí esta latiendo siempre. Es una música que se identifica con muchas personas que tenemos sentimientos muy similares acerca de la religión, el amor, el odio, de las decepciones. Este tipo de cosas que son muy frecuentes de hablar en este tipo de música, eso es lo que nos identifica bastante” .



En cuanto al impacto que ha tenido su primer disco-Oddisey of the meat, odisea de la carne en español, producido específicamente para el mercado norteamericano, el cual ha tenido mucha aceptación en este mercado en comparación en México que es muy poco conocido porque el disco desafortunadamente se vende como importado.

Al definirlo Lorenzo Partida como “un disco que ha resultado muy favorable para Transmetal, al tener varias sorpresas, entre ellas; el hecho de Alberto Pimentel, vocalista original de Transmetal regreso al seno de la banda y estuvo con nosotros y grabo el disco, en donde hicimos alrededor de aproximadamente doscientos conciertos en dos años que estuvo con nosotros. Sacamos el disco e hicimos un disco en vivo que se llama precisamente - En Vivo en Tijuana-.eso fue la parte importante que tuvimos con Alberto y el disco blanco”.

¿Qué significado tiene para Transmetal, el volver a ser nuevamente independientes?

“Pues yo creo que te da la oportunidad de ir en la dirección que tu prefieras o hacer lo que tu quieras sin que tengas que obedecer ciertos reglamentos. Creo que es un poco de más libertad para la banda y esperemos que sea favorable”.

Para finalizar dijo sentirse un afortunado de ser parte de este banda que estimada y querida por mucha gente, eso me da la oportunidad de ofrecer mi música y materiales, he invitarlos a seguir apoyando al metal mexicano y ser parte de Transmetal en los festejos de su bodas de plata.