domingo, 31 de mayo de 2015

Liran Roll. Plena pulsación en hacer y compartir sus canciones


                          Fotos: Cortesía de Adry Mtz.


Por: Roberto A. Valenciano Capín


Un apasionado y un músico de retos es indudablemente Liran Roll, quien  nuevamente vino a compartir su arsenal de canciones en este encuentro con su gente potosina y que  indudablemente se ha vuelto en una tradición más allá del encuentro anual, siendo  el anfitrión el Bunker. Sala de Conciertos.


Un boleto para revisar el júbilo y la fraternidad a través de Liran roll quien siempre ha privilegiado establecer un balance entre estas pulsaciones a flor de piel con esta sencillez de sus vivencias hechas canciones, a pesar de esta incesante prerrogativa que a muchos tienta y les ha sugerido estar siempre uno o varios escalones arriba de los demás, lo cual no ocurre con esta sólida banda, sino más bien, prefieren estar al mismo nivel de los demás, compartiendo esta energía, sensaciones y emociones con su gente que indudablemente lo ha posesionado y ha sido parte sustancial de varias generaciones que se dieron cita en este abarrotado Sala de Conciertos potosina.


Así como también la sapiencia de ofrecerles sin cortapisas a su banda potosina este amplio abanico de posibilidades sonoras fundamentadas en este permanente diálogo  que se desprende notas sustentado en un  eclecticismo a partir del rock con estos tientos de blues, sin olvidar  estas  infusiones de jazz, tintes de pop y de estos infalibles temperamentos urbanos.


De ahí como dijera Antonio Lira " Esta es noche de Rock and Roll. esta noche es de ustedes esta noche es de San Luis Potosí".



Entre cada canción Toño Lira incitaba a ser más partícipes a su grey potosinas que en ningún momento amainaba al distender por más de dos horas y quedar  patentizada estas manifestaciones de cariño, la entrega de los asistentes, esta intensidad que muchos liberaron a través del grito profundo hecho canto o el movimiento gozoso del cuerpo para disfrutar de estas sus canciones en sus versiones originales o como suele pasar con Liran roll con esta reversión de las mismas,  a pesar que todo  no lo dejaban ir al pedirles más canciones, peticiones que indudablemente complació hasta donde pudo a sus seguidores.





Entre las canciones infaltables como:- María-, La Flaca-, -Quiero Cambiar-, - Cuarto para dos-, - Barco Azul-, - El tren-, - No puedo más-,-Josefina-, -Una oportunidad-, - Parado en la calle obscura-, -Piensa en mí-, - Adiós-, - Prendedor-, - Quisiera-, -Nunca pensé-, -El pianista-, - Abrázame-, la batalla- y muchas más-.


Así como estas canciones que pocas veces toca como fueron-memorias-, - tengo frío-.





Para dejar que el tiempo transcurra ante su próxima visita por estos lares. !Gracias por hacer esta fiesta de rock and roll, San Luis Potosí!.


En esta ocasión hicieron antesala la banda potosina de punk Cráneos Rotos, con un sonido directo, sin cortapisas para ofrecer ésta motivada banda que pronto sacara su primer disco,  canciones como: -radicales-, - ratas-, - el ahorcado-, así como por ahí tocar dos rolitas que hace tiempo no tocaban- La Ruleta- y -Vieja Escuela-.



A pesar de estar anunciada también la banda Degeneración 69 que no pudo presentarse por cuestiones propias de esta banda.



Después de la firma de autógrafos y fotos con los integrantes de Liran Roll, tuvimos nuevamente la oportunidad de platicar con Antonio Lira.



Pues  nuevamente bienvenido a San Luis Potosí para responder con tal cordialidad al sentirse muy bien en cuanto al recibimiento de la gente de San Luis Potosí y catalogarla como "super alivianada y buenísima y además por los espacios que dejamos de venir una vez al año, pero lo disfrutamos mucho  y en verdad estoy muy a gusto de estar aquí en San Luis Potosí.



En su anterior visita se mencionaba sobre esta falta de reconocimiento de su trabajo musical así como buscar estos mecanismos para ser conocido por más personas, sigue en esta etapa de ser solo para un sector o hay estos progresos a lo que respondió " Pues sí, de alguna manera lo que ha pasado aquí es que toda esta música ha pasado de mano en mano,  escucha este disco y eso es lo mejor. A veces que quisiera uno de alguna manera que tu música fluyera y estuviera más en los lugares, pero créemelo que ahora después de dos años quien iba a pensar que lo he hecho me siento satisfecho y la verdad es que si tiene que pasar que esta música siga  fluyendo y llegando a más oídos, pues que chido; pero en realidad estoy contento con la gente que sigue el movimiento y esa imagen obviamente tiene que dejar secuelas, me refiero a su generación a este tipo de rock con estos chavos que empiezan a crecer escuchando este tipo de música y  eso a mí me agrada que los jefes no dejen de morir este movimiento, el cual creo firmemente y creo que va ir para arriba".



Un Antonio Lira que se despliega y asegura que en este momento no pide nada, "sería vanidad pedir algo. Yo creo que la gente se ha portado  de maravilla  conmigo y la música está creciendo, tienes razón".




Ya veinte años de hacer rock and roll pero que indudablemente se permea en  esta reflexión: " Estoy en una edad en que empiezas a voltear y a ver las cosas de otra manera, en donde me siento más pleno, más tranquilo y más calmado, "donde realmente todo lo que he sembrado empiezas a cosechar un poco, después de muchos años obviamente. De verdad yo le agradezco a Dios hasta lo que hasta ahorita me da y no pido más; creo que están bien las cosas y no necesito más para vivir, estoy bien así con la gente que estoy. Ya no es tiempo de añorar, estoy muy tranquilo mientras siga este movimiento, mientras haya música que siga creciendo, que ames y lo disfrutes, chingue su otro más".





¿Hasta dónde pesa a Antonio Lira ser un referente?. "Yo creo que cuando escuchas una canción tuya que alguien la toque para mí es muy chido, no el que hayas dejado no la escuela sino que sea hay canciones que me gustan y que no son mías pero las hago propias, porque me entiendo con ellas y que me hubiera gustado componerlas. Yo creo que la gente que las toca a lo mejor piensa igual que yo y que chido,  es como yo pienso cuando toco un cover".




"Si yo he escuchado por ahí cositas o estilos que esta canción se parecen a tal canción,  pues si, como eso de repente dejas algo, alguna influencia en el rock and roll urbano y los chavillos que empiezan a tocar empiezan a fusilarse todas estas rolas de El Haragán, de Toño Lira, de Bostik y me han dicho toco estas rolas, que chido, de maravillas no puedo pedir más".



Al platicarnos también de este nuevo hálito como es este proyecto alterno de Antonio Lira y el Muro, el cual tiene la particularidad de " probar con nuevas alternativas que yo no había entrado como por ejemplo hay una canción al estilo Frank Sinatra, otra que es al estilo de los grandes baladistas y hasta hay un blues blues, es un disco muy bien surtido y la razón es que hice mancuerna con el señor Víctor Rosas que me ayudó mucho en la producción  e hicimos muy buena mancuerna. Originalmente iba a ser un disco acústico de Toño Lira y Don Beto tocando el sax, pero el señor(Rosas) empezó a invitar que al baterista que esto y que lo otro, para hacer una bandota que no me desagrada  y quedo muy bien la música".



Fue muy enfático al comentar:  "No puedes estar con lo mismo siempre, tienes esa hambre de conocimiento y ese conocimiento vas a poder ocupar cuando quieras componer más y  hacer cosas diferentes. Ahorita me estoy empapando de cosas nuevas aun cuando digamos que ya están hechas, pero para mí son nuevas, las cuales son para mi herramientas para hacer rolas nuevas con actitud diferente y todo esto que estoy haciendo detona mi cabeza se dispara y empieza a ver que  esto no lo había escuchado. Cada que veo cosas nuevas viaja el coco y empiezas a crear".



Sin duda alguna  este proyecto incide en Antonio Lira en:  "Creo que aquí totalmente me puedo descoser porque no hay este compromiso, más bien si hay este compromiso pero me refiero más con Liran Roll que ya hay un sello, un  estilo marcado y entonces aquí hay más libertades y que es lo que uno quiere, bueno podemos echarnos un danzón con rock, ¡vamos a hacerlo! y es lo que tú puedes  desahogar todas estas inquietudes que como músico hay. Entonces a mí me satisface seguir aprendiendo y evolucionar y sacar cosas nuevas, a fin de cuentas la gente te va a criticarte, pero lo mas importante es crear, hacer música y enseñarla".




De ahí que se encuentra también como prioridad el darle difusión a este proyecto que se ha tocado poco y ojalá cuando ya la gente conozca más las canciones de este disco se puedan  realizar algunas presentaciones en la mal llamada provincia, "las más que se pueda para ayudar a esta música,  a este hijo y por tanto hay que darle su importancia".



En cuanto a un próximo disco de Liran roll comento que " ya nos tardamos un par de años para dedicarle su tiempo a este proyecto, ya tenemos las canciones con Liran Roll, las estamos ensayando y  primeramente en dos o tres meses ya nos metemos al estudio a grabar el disco y queremos que para el 2016 ya tengamos nuevo disco".



Para finalizar en mandar un saludo a "mis buenos carnales de San Luis Potosí que siempre han estado apoyando el movimiento".



Más información de Liran Roll y de Antonio Lira y el Muro, lo pueden checar en: www.liranroll.com.mx y así como en las redes sociales como: Liranroll oficial. 

EL DIRECTOR ESPAÑOL JAVIER ESPADA PRESENTARÁ DOCUMENTAL CINEMATOGRÁFICO EN EL CEART

 
-  La presentación tendrá lugar en el marco de la exposición “Buñuel. Entre dos mundos”, alojada en el CEART
El director español Javier Espada estará de visita en San Luis Potosí el próximo 2 de junio para presentar su más reciente producción cinematográfica documental “TRAS NAZARÍN. El eco de una tierra en otra tierra” (2015), esto en el marco de la exposición “Buñuel. Entre dos mundos”, vigente en salas de exhibición del CEART, y del Cineclub realizado por el área de artes visuales de dicha institución.
 
Este trabajo documental de Javier Espada, presenta un viaje por la memoria del rodaje de la cinta “Nazarín” (1959) de Luis Buñuel, por México, tomando como elemento principal fotografías inéditas del director bajo una labor de investigación que logran contar la historia de un rodaje en el que se conjuntan artistas y técnicos que marcaron una pauta importante del cine, la fotografía y la interpretación del cine mexicano e internacional.
 
Este documental, realizado para todo tipo de público, ofrece información sobre la forma de trabajar de uno de los mejores cineastas de todos los tiempos, referencias a la industria mexicana del cine de la época y otros elementos ligados al proceso de creación artística que plasman la forman personal e íntima que caracteriza a cada una de las obras de Luis Buñuel.
 
Cabe mencionar que Javier Espada, fue el encargado de diseñar los contenidos de la exposición permanente del Centro Buñuel de Calanda y, por su cercanía con la figura y obra del cineasta, logra plasmar en su obra una dedicatoria a todos los que, como Buñuel, han encontrado su tierra en otra tierra.
 
En la proyección, que se llevará a cabo el martes 2 de junio en punto de las 20:00 hrs. en la teleaula del CEART con entrada libre, se contará con la presencia y comentarios del propio Espada y del maestro Jorge Ramírez Pardo, especialista y docente del programa de cine digital del CEART. Mayores informes en Calzada de Guadalupe 705, Colonia Julián Carrillo, al 1 37 41 00 o a través de las redes sociales oficiales del Centro de las Artes.

Presentación del Número 15 de la revista RGB dedicado al Diseño Industrial en la Facultad de Diseño




Los invitamos a conocerla, es un especial de Diseño Industrial Martes 02 de Junio  a las 11:00 horas en el Taller 2 del Edificio interactivo de la Facultad del Hábitat.
En donde se tendrá además un foro de preguntas y respuestas.

Una revista surge quizás, como tantos proyectos que nacen en México de forma independiente, por la falta de espacios y de un interés hacia el arte hecho por jóvenes. Pero antes de quejarnos preferimos como proyecto el generar una propuesta para dar difusión a estos creadores emergentes y lleva poco mas de dos años en su versión impresa y su versión web.
 
Esta Revista que tiene una amplia trayectoria en el mundo del arte y la cultura, se ha convertido en una plataforma para que las actuales generaciones de jóvenes tengan la oportunidad de exponer sus inquietudes y habilidades artísticas.

Los esperamos!

Curso On Line: Arte y Feminismos: sobre la construcción y de-construcción de "la mujer" en la historia del arte

 
 
Arte y Feminismos: sobre la construcción y de-construcción de "la mujer" en la historia del arte por Valentina Montero
 
 
“El feminismo designa el trabajo de desmontar los artefactos culturales y las tecnologías de la representación, para construir significados alternativos a las definiciones hegemónicas que fabrican las imágenes y los imaginarios sociales”
(Nelly Richard, 2008:7)
 
El curso pretender ofrecer una revisión de prácticas artísticas desde una óptica feminista. Se realizará una revisión histórico-crítica sobre las maneras en que las mujeres y “lo femenino” han sido representados a través del arte.  Intentaremos reparar las grandes omisiones que la historiografía del arte ha perpetrado excluyendo de su relato a un gran número de mujeres artistas. Conoceremos los principales planteamientos teóricos que han intentado explicar y reivindicar estas cuestiones desde una perspectiva de género en su amplio sentido, y conoceremos los planteamientos estéticos y políticas actuales que trabajan desde el uso de las nuevas tecnologías y medios.
 
Modalidad: 100% a distancia, videoconferencias todos los martes a las 19.00 h./7pm (Horario Europa Central). Las conferencias se graban para quienes no puedan asistir en tiempo real.
Idioma: Español
¿Cómo funcionan los Cursos? Visita este link
 

Program

Semana 1: Crítica historiográfica; ¿por qué no ha habido grandes mujeres artistas?
  • A partir de un texto de Linda Nochlin (1971) revisaremos algunos de los principales planteamientos feministas acerca de la historiografía del arte y su relación con los condicionamientos de sexo, género y clase. Además se analizarán algunos ejemplos de prácticas artísticas de la segunda mitad del siglo XX que intentaban reivindicar el lugar de los marginados en los grandes relatos y las instituciones por razones de sexo, género, raza o clase.
 
Semana 2: Crítica interpretativa; el rol y lugar de las mujeres en la representación
  • La virgen, la madre y la prostituta
  • La mujer como alegoría y como musa
  • El cuerpo y la sensualidad
 
Semana 3: Recorrido histórico; nombres olvidados, omitidos y censurados
  • La construcción del campo artístico como territorio excluyente
  • Las grandes “excepciones”. Artistas mujeres en la Antigüedad, Edad Media, Renacimiento
  • Las intelectuales
  • 1789: los derechos del “hombre”. La modernidad como territorio androcéntrico
 
Semana 4: Perspectivas actuales; género y máquinas
  • El uso de los medios, ciencia y tecnología desde una perspectiva feminista
  • Imaginarios cyborg y ciberfeministas
  • Prácticas feministas en las redes sociales
  • Bio-arte, bio-política y post-feminismos
  • Estética y teoría Queer
 

Primer Encuentro Creadores de #Danza / Premio Movimiento Original. 2 y 3 de junio

Primer Encuentro Creadores de Danza/Premio Movimiento Original se llevará a cabo en el        Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.
 
 
En el recinto se ofrecerá el trabajo de 27 participantes que serán evaluados por un jurado integrado por Paula Rechtman, Saro Silva, Saúl Maya, Alberto Pérez e Irene Martínez Ríos.


Los creadores de la danza han proyectado  sus diversos vocabularios y conceptos, aunque en la mayoría de los casos, se auto limitan a reproducir formas y estructuras coreográficas que no permiten liberar el desarrollo de los contenidos en las obras, sobre el fenómeno dancístico contemporáneo, considera Becerril.
 
 
El Primer Encuentro Creadores de Danza/Premio Movimiento Original es un evento para promover la investigación y la creatividad de cada artista de la disciplina al generar un movimiento de nuevos valores que apuesta por un semillero de nuevas presencias estéticas y de contenidos en el terreno escénico en México, que incluye a talentos, tanto de nueva generación, como de trayectorias consolidadas.
 
 
El Primer Encuentro Creadores de Danza/Premio Movimiento Original se presentará los días 2 y 3 de junio, a las 20:30 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, colonia Centro Histórico, cerca del Metro Allende).

 Boletos en taquilla y en el sistema Ticketmaster. Localidades: 132 pesos, entrada general. 50% de descuento a estudiantes, maestros, militares, trabajadores de gobierno e INAPAM.

 La programación completa del Sistema de Teatros de la Secretaria de Cultura de la Ciudad de México se encuentra en: www.teatros.cultura.df.gob.mx

Con apoyo informativo de Sistema de Teatros

sábado, 30 de mayo de 2015

Muere el periodista y conductor Jaime Almeida

 
 
A los 66 años de edad, murió la noche el viernes el periodista y crítico musical, Jaime Almeida, víctima de un paro cardíaco en Paraíso, Tabasco.
 
 
Su muerte ocurrió horas más tarde de haber participado en una presentación del trío Los Dandy en el zócalo de esa ciudad en donde habló sobre la historia del bolero.
 
 
Personal del hotel donde se hospedaba Jaime Almeida guardó total hermetismo y privacidad al respecto, solo el Ministerio Público, el médico legista y el presidente municipal, acompañado de algunos colaboradores tuvieron acceso a la habitación que ocupaba el periodista.
 
 
Las autoridades del municipio de Paraíso, Tabasco, se encuentran a la espera del arribo de los familiares del periodista para hacer los trámites correspondientes al traslado del cuerpo a la Ciudad de México.
 
 
La Fiscalía General del Estado (FGE) de Tabasco confirmó en un comunicado, que las causas de muerte del comunicador fue por infarto agudo al miocardio.
 
Jaime Almeida inició su carrera como reportero en 1969 en el programa Hoy Domingo; un año más tarde colaboró para el noticiero 24 Horas de Jacobo Zabludowsky.
 
 
En 1980, recibió el Premio Nacional de Periodismo en 1980, fue productor y conductor del programa musical Estudio 54 durante ocho años.
 
También fue director general de Televisa Disco de 1983 a 1989.
 
 
Almeida era el presidente del Consejo Consultivo y del Jurado Calificador del Premio Nacional de Locución en la Asociación Nacional de Locutores.
 
 
En los últimos años fue el coordinador del catálogo de radio en Fonoteca de 2010 a 2013.
 
Actualmente era columnista del diario Milenio, donde abordaba temas sobre música, una de sus especialidades.
 
Numerosos comunicadores, cantantes y personajes de la política expresaron sus condolencias por la pérdida del crítico musical.
 
Descanse en paz, Jaime Almeida.

Jornadas de Cultura Incluyente y juvenil con la presentación de la agrupación “Watu wazuri”

 

La Secretaría de Cultura y su departamento de Públicos Específicos junto con el Museo del Virreinato, invitan a todo el público y particularmente a personas con discapacidad, para que en un contexto de inclusión multicultural, asistan a la Cuarta Jornada de Cultura Incluyente que se llevará a cabo el sábado 30 de mayo a las 12:30 horas., en el Museo del Virreinato, con dirección en Villerías #115, Centro Histórico de San Luis Potosí, la entrada es gratuita.

 
En esta “Jornada” se ofrecerá un concierto con la agrupación “Watu Wazuri percusión y danza africana”.  Se pretende realizar un evento vivencial y participativo en el que la música y la danza generen un ambiente de estimulación del lenguaje corporal para todo el público y en especial para la población juvenil y personas con discapacidad.


Se contará con el apoyo de un intérprete de Lengua de Señas Mexicanas (LSM) para brindar, con un carácter intercultural, la información que se desprenda de esta actividad a las personas Sordas, con el fin de que tengan la posibilidad de acercarse a esta particular manifestación cultural.

 
Cabe destacar que el programa de “Jornadas de Cultura Incluyente” que se han realizado en colaboración con la Asociación Civil “IBIS” de personas Sordas y “Trabajemos por una nueva luz” de personas ciegas, ha ofrecido experiencias compartidas de apreciación, disfrute y apropiación del patrimonio a un gran número de personas en una atmósfera de diversidad e inclusión: público en general, miembros de la comunidad Sorda, y personas con discapacidad y sus familias, logrando fortalecer los lazos sociales, el respeto, la solidaridad y la construcción de un mundo mejor donde todos tengamos acceso a la valoración de nuestro patrimonio cultural como un bien común.

Noche de tradicion metalera mexicana: Mortuary y Inquisition en el Bunker. Sala de Conciertos



Noche de leyendas del metal mexicano con la presentación de la banda de death metal regiomontana Mortuary y la banda defeña de metal Inquisidor, en su The Return Tour 2015 ",  además compartirán el escenario con las bandas anfitrionas de: Flakvierling, Forginmetal, Shattered y Hermes.
 
Este Sábado 30 de Mayo en el Bunker. Sala de Conciertos.
 
 
Mortuary: es una banda de DEATH METAL originaria de Monterrey. En 1994 tuvieron un increíble concierto abriéndole a Slayer junto a Transmetal en la Ciudad de México.
 
Inquisidor se integra de manera formal en el año de 1987, tras haber buscado los integrantes adecuados. A través de los años han grabado un total de 5 discos y dos demos, entre los cuales presumen haber sido la primera banda mexicana en grabar en formato de CD. Se desintegraron en el año de 1996…pero regresan en el 2010 con las pilas recargadas.


Inquisidor es una banda que voy a describir como Thrash Cavernícola, jajaja, si suena jalado pero debido a sus raíces en los ochentas el sonido trashero de Inquisidor es de un Thrash clásico, matas largas y opacas, mezclilla clara y los infaltables chalecos. Una voz áspera y brutal que debe de completar el estilo de la banda, como un grito de un cavernícola, de un Cavernicola Trashero.
 
 
Costo del boleto $ 150 pesos. Venta exclusivamente en Morbid Shop o en la taquilla del Bunker. Sala de Conciertos. 

Disney en piano por la Academia de Alheli S. Lárraga en el Rafael Nieto



Music is my life. Alheli S. Lárraga.  ACADEMIA tiene el gusto de invitarlos a disfrutar de un programa "Disney en piano", preparado por los alumnos del nivel avanzados y artistas invitados. Este sábado 30 de Mayo a las 18:00 horas en el Paraninfo Universitario Rafael Nieto. Entrada libre.
 
Participan los alumnos e invitados:
María Acebo, Jaime Carlos Fernandez Chavez, Santi Chávez, Polo guerra, Nacho Ramirez Garcia, Ana Paty, Renata Chávez, Vero Abud, Jesus Miguel Ibarra Silva, Isa Barajas, Mila Ruiz, Gabriel Guerra, Mateo Gh, Maria Paula Tacea, Sergio Ambriz Padilla, Abraham Guerrero Delgadillo, Josué Alba. Alfredo Jorge Gonzalez Galvan

Último fin de semana de " “Mahagonny. De ciertos tiburones en el Rino


 
“Mahagonny. De ciertos tiburones”
A partir de textos de Bertolt Brecht
Dirección de Jesús Coronado.

Mahagonny (la mítica ciudad Brechtiana), se funda en medio del desierto, a las faldas de las montañas de oro, en espera de cazar la riqueza que traen los mineros al regreso de su jornada. Esta se convierte rápidamente en una sociedad pudibunda y mercantil, que refleja la doble moral, el chantaje público y el comercio de la prostitución. 



 La Güera, Pedro y Moisés Trinidad, respectivamente; al encontrarse varados en un punto del Altiplano, deciden fundar la ciudad de Mahagonny, para sacarle a los mineros el dinero que no puede sacarle a los cerros; poco a poco, el negocio de la bebida pasa al de las mujeres para ...
acrecentar las ganancias. Pero como toda historia de poder y corrupción, las cosas pronto se complican, pues la traición acecha y antes de que se lo puedan imaginar, este trío cómplice, termina en contra, unos de otros.

Del 16 al 31 de Mayo.
Sábados y Domingos 7pm.
Cooperación general:$90.00
Amigos del teatro, Estudiantes e INAPAM: $50.00
Vecinos del teatro:$35.00

Reserva: 8146434 de Lunes a Viernes de 10am a 3pm

Visita:
www.elrino.mx
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Recital de piano infantil por los alumnos de la Mtra. María Tsyganova en el Museo Francisco Cossío

Los alumnos de piano de la maestra María Tsyganova expondrán su forma de entender y sentir este instrumento  de teclado de cuerdas percutidas, en un concierto que tendrá como escenario la Sala Joaquín Meade del Museo Francisco Cossío, el domingo 31 de mayo a las 12:00 horas.
 
 
Un trabajo disciplinado da cuenta de la constancia,  transmitida por  la pianista rusa, que recibió un laurel en el Concurso internacional de fondos benéficos Nuevos Nombres,  así como también obtuvo diplomas al participar de manera trascendental en diversos concursos que se realizaron en su país natal.
 
 
Un  imán  y experiencia compartida en torno a una  diversidad de compositores será interpretado por los alumnos de piano de la maestra María Tsyganova,  al ejecutar piezas musicales que serán ejecutadas por los talentosos jóvenes potosinos.
 
 
Un recorrido lleno de entusiasmo, aplomo  y la articulación de un discurso en estas noveles voces, cada día se abrevan y por lo tanto amplían su paleta musical y fortalecen su  poder de transmitir emociones y sentimientos, que seguramente serán del agrado  de familiares y amigos que asistan para brindarles su apoyo.
 
 
La maestra Tsyganova se vuelve un factor detonante,  que asume este importante papel dentro del quehacer formativo de la música en la entidad potosina.

viernes, 29 de mayo de 2015

Este sábado, la Orquesta Sinfónica Esperanza Azteca presenta concierto de percusiones en el Museo Nacional de la Máscara

 
 
Este sábado 30 de mayo, a las 12:00 horas,  en el patio del Museo Nacional de la Máscara se llevará a cabo la presentación de la Orquesta Sinfónica Esperanza Azteca San Luis Potosí, la cual en esta ocasión ofrecerá un concierto de percusiones.
 
 
Desde su creación, Esperanza Azteca se pensó como una red de orquestas que opera gracias a la suma de esfuerzos de diferentes actores sociales, y en el caso específico de San Luis Potosí, en febrero de 2012 se llevó a cabo la firma del convenio de colaboración entre el Gobierno del Estado y la Asociación Azteca Amigos de la Cultura y el Arte, A. C., con el cual se dio  la pauta para la creación de la Orquesta Sinfónica Esperanza Azteca, San Luis Potosí.
 
 
Por el Gobierno del Estado, el Gobernador Fernando Toranzo Fernández, firmó el respectivo documento en tanto que por la citada asociación civil lo hizo su presidente ejecutivo, licenciado Esteban Moctezuma Barragán.
 
 
El objetivo último de la Orquesta esperanza Azteca es contribuir a obtener mejores seres humanos a partir de la práctica de la música, e incidir particularmente en el mejoramiento de la población infantil y juvenil, teniendo como medio para ello la enseñanza musical, y a partir de ello crear orquestas con coros, dirigidos primordialmente a comunidades de escasos recursos económicos, como medio de organización social y desarrollo comunitario.
 
 
Por lo que se refiere a la operación del proyecto en todo el país, desde 2009, se han  integrado 80 orquestas sinfónicas y coros; 77 en el interior de la República Mexicana, dos en El Salvador y una en Estados Unidos.
 
 
Las orquestas están conformadas por talentosos niños y jóvenes de escasos recursos, de entre 5 y 17 años de edad, de los cuales más del 70% no tienen ningún tipo de conocimiento o práctica musical previos, y en muchas ocasiones se trasladan desde lejanas comunidades, para practicar 4 horas diarias de lunes a viernes.
 
 
Tras 9 meses de ensayos diarios, los pequeños grandes talentos brindan su concierto debut en la sala de conciertos más importante de sus ciudades. A partir de ello pueden ofrecer conciertos donde los soliciten, como es el caso de este concierto de percusiones en el Museo de la Máscara, para el cual la entrada es completamente libre, por lo que se hace una amplia invitación a todo el público potosino.

Yucatán a Go Go saco al niño rockero de los potosinos


Foto: Cortesía de DIM

Por: Roberto A. Valenciano Capín

Con esta imprescindible cualidad de divertirse y echar relajo es lo que propone esta banda de rock para chavitos, Yucatán a Go Go se apropian literalmente de cualquier espacio, tal lo fue así con esta explanada del Museo del Ferrocarril "Jesús García Corona" en esta capital potosina.
 
Vuelve este cuarteto de músicos a reencontrarse con su gente potosina después de una ausencia de varios años en no presentarse, al recordar su vocalista y letrista Ramón a Go Go de este inolvidable y nostálgico viaje al Cerro de San Pedro entre las deliciosas pizzas y un extraño personaje en sus participaciones en las primeras ediciones de este Festival Cultural.
 
Arropados por esta grandiosa  locomotora de vapor Baldwin modelo 280 de 175 toneladas construida en 1921 en Filadelfia E.U. y adquirida por México ese mismo año, con su orgulloso número 1182 de Ferrocarriles Nacionales de México y que además de ser un icono cultural capitalino es un monumento a  la Era de Máquinas del Vapor.  
 
Sin lugar a dudas de esta banda que cumple quince años en este 2015, gracias no solo a este sello distintivo sino a  esta puntual conexión con este creciente público cautivo que  cada día crece más al lograr esta chispa, gracias, humor e imaginación  permee gracias a esta singular forma de hacer canciones dedicado a un sector muy definido por esta banda mexiquense de Yucatán a Go Go.
 

Unas sillas que esperaban ocuparse pero no sucedió así, quizás a esta falta de difusión, tal vez, pero sorprende al ser convocados en su mayoría de sus asistentes jóvenes, adultos y algunos pequeños que lo disfrutaron plenamente.
 
Un Yucatán a Go Go ofreció un energético, divertido, fresco y desenfadado show en donde el buen frontman de Ramón a Go Go hizo que el tiempo se difuminara al tener esta gran interacción con el público, como contar pequeñas anécdotas que irremediablemente fueron el parangón para romper fronteras y a la vez involucrar al escucha en este imaginario a través de estas distintas sensaciones propuestos por este cuarteto de músicos integrado por:  Alan Lucas en la guitarra, Gustavo Quintanar en el bajo, Mario Cabestany en la batería y Ramón Go Go en la voz.

Canciones bajo este sonante y consonante rock con sus toques de surf, punk y hasta esta de cumbia y de metal, aunado a estas imprescindible letras de este singular recorrido como lo es: -Vísteme de Kalimán-, -Rusos-, -Pollito- considerada en voz del mismo Ramón como la competencia de Mamá soy Paquito; - Ella no me quería-, - Niña Mutante- dedicada a este cielo azul potosino en contraposición al gris del D.F.; una versión muy singular de los Ramones, - La playa-, - Se comió-, - Natalia-, -La Abuela Zombi-, -El Abuelo Luchador-, - Usa tu imaginación-.

Una tarde noche muy divertida y de esta manera cerrar este espacio dentro del día internacional de los Museos a pesar de este inconveniente y espontaneidad de una niña pasear con una bandera de un partido político a lo cual Ramón comento al respecto " No es mi perfección de mi infancia ". 


Ya en la comodidad de estas sillas reclinables y esta ganas contenidas de meterse a la alberca en un céntrico y tradicional hotel por los Yucatanes,  tuvimos nuevamente la oportunidad de platicar con ellos y esto fue lo que nos comentaron.

Una banda que le apuesta y con esta plena convicción de ser rock para chavitos aunque reconoce su vocalista que han descuidado un poco este público infantil "que es el público al que realmente estamos dirigido, pero lo tenemos que recuperar e inclusive en los discos hemos olvidado estos temas infantiles y pues tenemos que meterle otra vez mas galleta".

Por lo cual, Yucatán a Go Go nos platican de su transformación consciente como banda de música para chavitos, "nuestra transformación no ha sido que poco a poco se va dando. Nosotros conscientemente en nuestros primeros discos no han sido de esta evolución nata sino, nosotros hemos planeado hacia donde hemos querido que vayan los discos, sabiendo que vayan para este público o queremos que vayan para este público e inclusive es lo mismo con las portadas".

Considero que aun así hay esta acepción y lo es el CD " Navidad a Go Go" que no esta enfocada para ningún público en especifico, sino más bien es un disco muy bueno y que no ha sido valorado lo suficiente, es un disco que debería de tocarse en las estaciones de radio y de culto, aunque esta mal que yo lo diga porque es este tratamiento de los temas navideños con un enfoque más punk, más sarcástico y real, en donde tocamos temas de los intercambios en donde te regalan pura porquería en los intercambios, u otro que se traga el muñequito de la rosca de Reyes para no pagar los tamales, se ahoga y se muere, de ahí que tocamos los temas navideños con mucho humor negro, es como el lado obscuro de la navidad, esas cosas suceden".

En contraposición de Rock Cabezón para salvajitos, " es un disco que esta padre y me gusta mucho, eso si es totalmente diferente a los otros discos porque ahí si le quisimos apostar por una música mas tranquila, no nos salió tan mal y tampoco tan bien, pero es un disco padre que tiene un poco de canciones más relax, al tirarle algo más serio en la música como John Petty que realmente no es Petty ni mucho menos, pero si tirándole a  una onda más adulta que no nos funciono al final, porque están acostumbrado a escuchar a Yucatán a Go Go en Niño Mutante  y  canción basura, música desmadrosa".

En cuanto a esta dificultad de volver a retomar con sus canciones a este sector infantil. "Es que no creo porque la banda ha sido muy natural, aparte que creo que Ramón en verdad es muy infantil siempre ha sido muy natural en las letras" comenta su baterista.


"Nuestra intención no fue simplemente como muchas bandas para ver si pueden triunfar", aunque no hacen dejo del mismo, al considerar  sus prioridades de Yucatán a Go Go en este momento son el relax, seguir tocando y viendo hacia donde vamos.

Aunque reconocen que no tienen el público que deberían de tener, aunque mucha gente le gusta su propuesta y pesar de que los siguen en los conciertos, bailan, gritan y todo, pero te quedas con esta pregunta ¿Por qué realmente no hemos tenido el éxito que podríamos tener si esta gente  buscar tener este éxito le gusta tanto y no poder llegar a mas personas?, "pues no hemos podido llegar en estos quince años  intentándolo y nos ha costado mucho trabajo, pero no estamos tan satisfecho, pero aclarar que estamos satisfechos con lo que hemos hecho, tenemos muy buenas aventuras de vida pero no hemos logrado este éxito comercial o cualquier sentido de éxito".

Aunado a ser este un sector muy castigado en cuanto a una remuneración económica y de espacios para aquellos que hacen música para niños, reconocen que tienen la ventaja de tener 15 años en estos devenires, de ahí que le llaman a Yucatán a Go Go y las bandas que van empezando y como ya empezaron a salir muchas  y les vas a costar más trabajo porque tristemente tienen que competir con nosotros, del gusto de quien los contrata o de la memoria de los que contratan porque ellos piensan primero en   los que ya estamos, pero aun así poco a poco se va generando este movimiento más grande de rock para niños y eso nos conviene, a nosotros nos conviene que haya muchas más bandas, conoces las bandas, te empiezas a llevar con ellos y te sientes parte de este grupo de músicos que hacen música para niños".

Con seis discos en su haber, al ser catalogarlos como seis discos como muy buenos, "no somos de esas bandas que dicen sacamos un buen disco y de vivimos, no, hemos sacado seis discos muy buenos que nos han costado mucho sufrimiento", aun sí se  sienten satisfechos con ellos, aunque por ahí reconocen que les falta ya sacar un nuevo.



Es importante decir si Yucatán a Go Go se acaba hoy " la gente lo va a seguir recordando por mucho años y eso es muy padre , no es como muchas bandas que se acaban  y ya nadie se acuerda de ellos,- consciente de que- a nosotros nos seguirán escuchando, igual bajaran las escuchas porque ya no estemos vigentes pero siempre habrá gente que sepa de Yucatán a Go Go y aunque Yucatán a Go Go no existiera siempre va a ver nuevos  públicos, niños que a través de su abuelo y papá le digan de Yucatán a Go Go y que trascienda" .

Aun así, para Yucatán a Go Go hay mucho que hacer todavía, tocar y seguir virulizando estos imaginarios a través de su música a estas nuevas generaciones e inevitablemente formen parte de este viaje muy singular que propone esta banda que ha trascendido por si misma.


Pueden checar más información de ellos en las redes sociales, Instagram, así como escuchar o comprar sus discos on line por Spotify como Yucatán a Go Go. 


 

Una Bienal de espaldas a La Habana

 
 
Por: Héctor Pérez Chang
 
Bajo el tema curatorial Entre la idea y la experiencia, se desarrolla la duodécima Bienal de La Habana, que se extenderá hasta el próximo 22 de junio. Según los organizadores, con esta nueva edición se pretende realizar una mirada retrospectiva a la evolución de la propia Bienal pero, sobre todo, convertir a la capital cubana en una plaza dinámica para pensar el arte e invitar a “sentir la ciudad y su gente” mediante iniciativas comunitarias e intervenciones públicas en plazas, parques y otros espacios.
 
 
Dicho de ese modo, pareciera que el evento artístico es una renuncia a cualquier concepto elitista del arte y que, con las irrupciones en las dinámicas del barrio y de lo cotidiano, pretenden un diálogo, una inserción, un coqueteo con esa ‘gente común’ a las que, al parecer, hay que dotar de un modo de expresión de sus esencias. Sin embargo, analizando la manera en que algunas de las propuestas artísticas han sido ejecutadas, implicando el ocultamiento de espacios poco atractivos visualmente, la simulación de la marginalidad e incluso el desplazamiento de otros modos de expresión artísticos mucho más populares, pudiera concluirse que la “invitación a sentir la ciudad y su gente” no es del todo sincera.
 
 
Un ejemplo de esto pudiera ser la ofensiva contra los grafitis y murales de arte callejero en el Malecón habanero. Donde hace apenas unos días abundara este tipo de expresión popular, ahora solo quedan amplios paredones encalados que sirven de fondo a las obras de los artistas invitados a la Bienal, esos que, supuestamente, “se integrarían en las mecánicas de lo cotidiano”.
 
 
Otros lugares, como solares yermos, zonas de derrumbes y pequeños vertederos que durante años han sido víctimas de la desatención, en estos días fueron saneados por brigadas de la construcción e incluso se han invertido importantes recursos en rehabilitarlos solo para que sirvan de emplazamiento a las obras. Las otras calles y barrios de la ciudad que no servirán de escenario a la Bienal continúan en el olvido.
 
 
“Con todo el cemento y la pintura que hemos echado aquí yo reparo esos dos edificios. Esto es Cuba, no tiene otra explicación”, dice un obrero que trabaja en el emplazamiento de una de las obras de la Bienal.
 
 
Mientras tanto, en las inmediaciones, esos mismos hombres y mujeres, ancianos y niños con los que se busca “establecer un diálogo” mediante el arte, continúan llamando la atención sobre el peligro que corren sus vidas al no ser atendidos sus constantes reclamos al gobierno sobre lo precario de sus existencias.
 
 
 
Las personas pueden interactuar con esta mano de Facebook. Indicará la dirección que el espectador desee (foto del autor)
 
“Hay dinero, claro que hay dinero, pero no es ni para ti ni para mí”, me dice un anciano al que le pagan 150 pesos por cuidar un muro del que han borrado una obra del artista comunitario Yulier P, solo para emplazar otra que nada tiene que ver con la comunidad. Sin dudas, como me ha dicho un amigo grafitero, ‘no se trata de un diálogo, sino de una pelea a gritos’”.
 
 
Por otra parte, una percepción de la realidad demasiado simplista, por no decir falaz, definen algunas de las propuestas enfocadas en lo arquitectónico y lo urbanístico. Mapeando desde el Parque Trillo es un proyecto de la Facultad de Arquitectura de la capital que busca interactuar con los habitantes de Centro Habana, uno de los municipios más afectados por los derrumbes y los hacinamientos. Aunque en algunos aspectos pudiera ser una idea interesante, en otros revela ese discurso propio de las instituciones oficiales cubanas que, constantemente, esquivan, evaden, ocultan los verdaderos problemas que enfrentan las personas con respecto al lugar donde viven, que casi nunca coincide con el que desean o han elegido para vivir y que, más que un lugar donde habitar, es un espacio donde sobrevivir.
 
 
A pesar de las contradicciones que exhibe esta nueva edición, la Bienal, a veces contra viento y marea, ha logrado traer a nuestras calles, galerías y museos, proyectos bien sugestivos y, en algunos casos, desafiantes, contestatarios y, por qué no, hasta abiertamente contrarios al régimen. Los lenguajes del arte permiten, hasta cierto punto, burlar la censura. La ambigüedad ensancha el espectro de interpretaciones y, en estos días de “normalizaciones”, ya la simple sospecha va dejando de ser un argumento condenatorio. No obstante, en este fingido entorno de tolerancias, las represiones no faltan. El Museo Nacional de Bellas Artes le negó la entrada a la reconocida artista de la plástica Tania Bruguera, que pretendía asistir a una exposición del pintor Tomás Sánchez. También por estos días no han cesado las detenciones de activistas políticos, algunos de ellos vinculados a proyectos culturales de gran relevancia, a pesar del silenciamiento por parte de los medios oficialistas.
 
 
 
 
La edición de este año 2015 cuenta con centenares de artistas extranjeros, algunos de gran prestigio como Daniel Buren, Anish Kapoor y Joseph Kosuth. Entre las propuestas más atrayentes están el proyecto colectivo Entre, Dentro, Fuera/Between, In­side, Outside, que integran artistas cubanos y estadounidenses, y los performances Tercer Paraíso, del italiano Michelangelo Pistoletto, y La perla negra, de Nikhil Chopra, donde el artista hindú, durante 60 horas ininterrumpidas, permaneció dentro de una jaula situada en la Plaza de Armas.
 
 
Una de las propuestas más populares es La pista de hielo, del norteamericano Duke Riley. Ubicada en las intersecciones de Malecón y Belas­coaín, la obra es una estructura hecha con lá­minas de un material muy semejante al hielo y sobre la cual es posible patinar. Algunos se acercan y, al creer que se trata de hielo verdadero, lanzan expresiones de asombro; otros, acostumbrados a la locura, al absurdo, a la improvisación como métodos de gobierno de sus dirigentes, no dicen nada o protestan bajito.
 
 
“La gente no entiende de arte cuando tienen necesidades”, comenta una mujer que cuida otra de las obras emplazadas en el Malecón. Su trabajo durante un mes será velar porque no se roben los tenedores que recubren una gigantesca cacerola. Son miles de cubiertos, auténticos, semejantes a las espinas de un erizo. “Es tanta la necesidad, que se han llevado ya varios tenedores. Yo no sé cómo, porque no le quito la vista de encima”, me dice la señora.
 
 
Muy cerca se alza otra obra que parece un pastel de cumpleaños del cual afloran cientos de lenguas. Las personas se acercan, lo tocan, comentan sobre el revuelo que provocaría si fuera de masa y merengue reales. Los niños intentan saborearlo y algunos adultos comen y beben a la sombra del objeto, como si celebraran una fiesta.
 
 
Mientras tanto, decenas de policías recorren las calles para velar por que tanto metal, cristal, arena y madera empleados en las obras de los artistas no sea acarreado en carretillas por esa multitud de gente necesitada con la que la duodécima Bienal de La Habana tanto desea establecer un acto comunicativo o una dinámica de integración.