sábado, 20 de enero de 2018

"Conmemorando a Jesús Sánchez Urbina un gran artista" ofrecida por el doctor Salvador Gómez Eichelmann




Por: Roberto A. Valenciano Capín

Más allá de "conmemorando a Jesús Sánchez Urbina un gran artista", conferencia sustentada por el doctor Salvador Gómez Eichelmann en la Sala Francisco de la Maza del Museo Francisco Cossio, más bien fue el resaltar las aportaciones que dejo el pintor rioverdense.

De ahí que el doctor Gómez Eichelmann deja a un lado esta parte biográfico para proponer en esta charla a partir de dos preguntas, la primera: ¿Cuál es la aportación de un pintor rioverdense podría aportar al arte universal? y  ¿ Qué encontró en su cultura y que aportó?.




A partir de la segunda pregunta, Gómez Eichelmann empieza con este imprescindible bosquejo del entorno de Sánchez Urbina en que vivió, un Rioverde muy rudimentario, que en momentos solo tenían dos horas de luz al día, el ser considerado uno de los lugares más violentos en su momento, pero aun así existía estos halos de luz, al existir una de las más importantes colecciones de arte de la república, integrada por pinturas del siglo XIX y colonial. Así como un destacado destello creativo, gracias a los pintores; Josefina Nieto Pro, alumna de Guadalupe de la Vega, Esperanza Dadavie, quien tomo clases con  Germán Gedovius en la Academia de San Carlos y Rodolfo González de León quien fue le hizo su primer contacto a Sánchez Urbina con la obra de Matisse.

Para afirmar que Sánchez Urbina siempre va a ser siempre fiel a lo abstracto, y por tanto ser uno de los mejores artistas creadores del arte abstracto, como ser un pintor "extraordinariamente obsesivo, meticuloso y pulcro en cuanto en todo lo que hace."

Además de ser un brillante alumno de la  toda la historia del Instituto Potosino de Bellas Artes y ser el primer pintor del IPBA que sale con una categoría/nivel que tiene una calidad internacional, gracias a  tener una de las producciones más sólidas y contundentes de un autor potosino.

De ahí que sus aportaciones en San Luis Potosí no solamente fue el constituir una escuela formal de grabado, sino "Jesús Sánchez Urbina deja como expansión en su ámbito una formación de grabadores muy importante, hace quizás las obras abstractas más importantes que se han producido en San Luis Potosí, seguramente de las mejores que se han producido en México y seguramente dignas de figurar con las que ha hecho el arte abstracto todo en tiempo y lugar, a partir de Kandinsky." Comento el amigo del pintor y coleccionista Gómez Eichelmann.




Así como de sus atributos como fue el utilizar la pintura como "un medio de expresar su propia intimidad, es decir, como un medio para autoexaminarse, autoinspeccionarse, autoreflexionarse sobre si mismo."
De esta manera, el responsable de la curaduría de la exposición Jesús Sánchez Urbina. Obra y contexto artístico”, que es exhibida en el Museo Francisco Cossío de San Luis Potosí, la cual reúne alrededor de 118 piezas de la autoría del artista plástico potosino, al corroborar que San Luis Potosí tiene una cultura muy poca aficionada no solo a la pintura, sino a ser coleccionista de arte.
En donde se contó con la presencia de Guadalupe Sánchez Urbina, hermana del pintor.
Originario de Rioverde, San Luis Potosí, Jesús Sánchez Urbina (1944-2005), ingresó al Instituto Potosino de Bellas Artes en 1966. Continuó sus estudios en la Ciudad de México en el Taller de Grabado de los Aprendices del Molino de Santo Domingo. En 1981 fue becado por el gobierno francés para estudiar en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes en París, Francia. Debido a la alta factura de su obra, fue contratado como artista de “Staff” de la Galería Estela Shapiro de la Ciudad de México, espacio de gran relevancia y proyección para los grandes representantes de la plástica mexicana.
Entre los reconocimientos y distinciones que recibió a lo largo de su carrera, podemos señalar el Premio 20 de noviembre en la edición de 1968 y el Primer Premio en el VIII Concurso Nacional para Estudiantes de Artes Plásticas Aguascalientes INBA en la edición de 1973.
Se les hace una cordial invitación el próximo viernes 26 de Enero a las 18:00 horas al conversatorio que se tendrá entorno al pintor rioverdense, en el cual se contara la participación de sus amigos y alumnos: Juan José Robledo, Rosa Luz Marroquín, Othón Salazar y Gilberto Estrada, quienes compartiran anecdotas, historias, reflexiones entorno al Mtro. Sánchez Urbina.

The Square, ganadora de la Palma de Oro, se exhibirá en la Cineteca Alameda



Ganador   del   máximo   premio   del   más   reciente   Festival   de   Cannes,   el   nuevo largometraje del realizador sueco  Ruben Östlund presenta  una   sátira hacia  la conducta elitista de los pequeños grupos burgueses que se jactan de apreciar el arte.

The   Square  caricaturiza   a la clase   alta para reflexionar  sobre   la ambigüedad moral   y la   hipocresía,   haciendo   énfasis   en   cómo   estas   comunidades   son controladas por la influencia de unos cuantos individuos.Teniendo   como   precedente   la   exhibición   fotográfica   “Rutan”   —realizada   por Östlund para poner a prueba la confianza entre los miembros de una sociedad—, esta parodia cinematográfica de la conducta del ser humano llegará a la Cineteca Alameda de San Luis Potosí como parte de la 63 Muestra Internacional de Cine, y será exhibida el sábado 20 de enero en dos funciones, a las 17:00 y 19:45 horas.

The Square narra la historia de Christian, respetado curador en un museo de arte contemporáneo,   quien   ama   pasar   tiempo   con   sus   dos   hijas,   apoya   causas ecologistas   y   se   involucra   en   cuestiones   humanitarias.   Mientras   prepara   su próxima exposición, la cual incita al público a recordar sus valores altruistas, es víctima de un robo. Sus ideales cambiarán cuando la agencia de comunicación dela galería lance una sorprendente campaña de marketing que lo hunde en una crisis existencial.

Siguiendo   el   absurdo   de   su   trabajo   previo,  Fuerza   mayor   (2014),  el   tercer largometraje del realizador sueco Ruben Östlund hace una sagaz crítica a las jerarquías   de poder   en   la   sociedad   y   al   esnobismo   que   existe   en   la  escena artística de nuestros días.

The Square en los medios:

“[The  Square]   incide   sobre  el  dominio  y evolución establecidos por líderes de grupos sociales, o castas, que se dan en la civilización moderna, mientras los“invisibles” continúan aplaudiendo la gracia de los “intocables” y contribuyen a que puedan mantener su posición elitista frente al resto”.Alberto Sáez Villarino, El antepenúltimo mohicano, 2017.

“La desbordante y atrevidamente surreal sátira de Ruben Östlund en The Square convierte   a   un   museo   de   arte   contemporáneo   en   una   ciudad-estado extraña, disfuncional y de una extrañeza ballardiana”.Peter Bradshaw, The Guardian, 2017.

Para mayor información consulta:www.cinetecaalameda.netFacebook: Cineteca AlamedaTwitter: @CinetecaSLP#63MuestraTHE SQUARE (TRAILER). https://www.youtube.com/watch?v=2jo5ZQ-lcEw

CEART invita a visitar su biblioteca



El Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario invita a todas las personas interesadas en conocer su Biblioteca a que acudan a tramitar gratuitamente su credencial de usuario con la que tendrán acceso al acervo de más de 7 mil 500 libros de diversas disciplinas. 

La credencial tiene una vigencia de un año y con ella los usuarios tienen acceso a préstamo interno y externo de libros. Para obtenerla solamente hay que entregar una copia de la credencial del INE, una copia del último comprobante de domicilio y una fotografía tamaño infantil a color. En el caso de menores de 18 años, es necesario presentar la documentación de padre y/o tutor más su credencial vigente de estudiante.

La Biblioteca del CEART cuenta con un acervo bibliográfico en las disciplinas de Ciencias Sociales, Artes, Literatura, Retórica, Lenguas, Religión, Ciencias, Tecnologías, Consulta, Obras Generales, Filosofía y Psicología.

El horario de la Biblioteca es de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas. El trámite para solicitar la credencial es gratuito. Mayores informes al teléfono 137 41 00 en la extensión 3003 o en nuestras instalaciones ubicadas en Calzada de Guadalupe #705 colonia Julián Carrillo

Tándem Cía. De Danza inicia año con Trilogía Coreográfica



Tándem Cía. de Danza, que dirige la coreógrafa Leticia Alvarado, arrancará este 2018 con una función especial de la Trilogía Coreográfica “Adentro Paraísos”, “Tacto. Retratos de una familia actual” y “Declive”, este 20 de enero en la Biblioteca Vasconcelos, ubicada a un costado de la estación de trenes de Buenavista.

En “Adentro Paraísos”, Leticia Alvarado aborda el tema del tiempo vivido, que guarda en la memoria momentos indescifrables, miles de pequeños paraísos que adquieren significado solo para quien los recrea una y otra vez, fragmentos de tiempo convertidos en el eterno sueño que somos, señaló la compañía en un comunicado.

Mientras que “Tacto. Retratos de una familia actual”, de Juan Carlos Flores, considera que las relaciones de parentesco constituyen la unión familiar. Pero hoy en día las adaptaciones son tan variadas que nos invitan a cuestionar el afecto, el respeto y la consistencia de la institución familiar.

“Ésta pieza indaga en las formas que tenemos los seres humanos para enfrentar la desunión actual de los lazos familiares y las estrategias para no abandonar la cordialidad entre las personas”, manifestó Tándem Cía. de Danza.

En “Declive”, Víctor Hugo Loaiza planeta una reflexión de lo que pasa al perder la estabilidad, al caer, al volver al estado horizontal del inicio de la vida, ya que es al final de esta caída libre y violenta que nuestra percepción del mundo entra en choque, y reduce aquello que creíamos importante a simples partículas que transitan y se pierden en la suspensión perpetua.

La asistencia coreográfica para esta pieza es de Raquel Amaya, el diseño sonoro de Víctor Hugo Loaiza, Jorge Loaiza (composición original, voz y piano), Edgar Ramírez (productor) y David Cózatl (Cello). La música de Sample de Kyrie Eleison y Agnus Dei - Misa en Re menor de Johann Sebastian Bach.

NTX/NMN

«Mi único origen geográfico es la partitura»: Arturo Fuentes










Por: Ismael Cabral


El mexicano Arturo Fuentes es uno de los compositores con mayor proyección de su generación. Su música, inestable, compleja y permeable a múltiples influencias posee una subyugante capacidad de comunicar con el oyente de oídos inquietos



«Comúnmente pienso en la forma de mis obras como si estuviese recorriendo un laberinto: pierdo la línea del discurso musical para encontrarla después de varias vueltas» dice el compositor mexicano Arturo Fuentes (1975). Como él en la composición, nosotros en la escucha nos sentimos desorientados y, en algún momento, recuperados. Por poco tiempo. Su música, inestable y especular, tiene una extraña capacidad comunicativa. El prestigioso Cuarteto Diotima ha registrado en disco su colección de cuartetos de cuerdas para el sello Kairos.

–Las cuatro obras del disco funcionan en la escucha como un ciclo que va a parar a Glass distortion, la más extensa y ambiciosa. ¿Se plantea quizá que la audición, siempre que sea posible, sea en su globalidad?

–Pienso en lo que dijo Borges, que cada libro es una parte de un libro inmenso. Otro escritor, José Lezama Lima, hablaba de un libro como un árbol que se encuentra en un bosque y que sólo podemos apreciarlo plenamente cuando tenemos una visión panorámica de todo el bosque. Es decir, apreciamos la singularidad dentro de una multiplicidad. Mi ciclo de cuartetos, efectivamente, son un conjunto que puede ser escuchado cronológicamente aunque cada uno guarda su propia personalidad. Cada vez que componía un nuevo cuarteto tenía presente el anterior y de alguna manera lo proyectaba hacia un nuevo estado sonoro, como si se tratase de una materia física. De ahí también se deriva que todos los títulos de los cuartetos tengan algo en común (Broken mirrors. Liquid crystals. Ice reflection. Glass distortion), la materia que se transforma de un estado a otro.

–¿Cuáles han sido sus referentes a la hora de abordar el ciclo?

–A medida que iba avanzando en la composición me acercaba más a la literatura de esta formación, y desde los Cuartetos de Beethoven hasta nuestros días descubría obras increíbles. Sinceramente, no tenía un solo referente, mi escucha era muy focalizada en encontrar pequeños aspectos sonoros, dentro de esas grandes obras, que me permitían postular mis propias ideas dentro de este género. En resumen, se me hacía muy importante generar una voz propia, que este ciclo tuviera una personalidad, una singularidad dentro de todos los demás ciclos ya existentes.

–La competencia en el ámbito del cuarteto de cuerdas contemporáneo es alta. Pienso ahora mismo en los Arditti, claro, también en el Diotima, o más recientemente, el Jack Quartet y el Quatour Tana, entre otros. ¿Cómo fue su contacto con el Diotima?

–Creo que antes de plantearnos el trabajar juntos ya había nacido una gran amistad. Ellos son muy curiosos y también muy críticos, siempre van al encuentro de nuevos compositores, no paran, son muy activos. Lo que más les atrae es la personalidad en la música de un compositor. Que exista una voz propia que tenga algo que decir. Mi ciclo está dedicado a ellos. Esto no quiere decir que estas obras no tengan vida propia y puedan ser interpretadas por otros ensambles; es más, deseo que sea así. Por el contrario, creo que la música contiene en sí misma ese grado de incertidumbre que la hace un arte vivo, cada interpretación es diferente, el intérprete se apropia de la voz del compositor y la proyecta a su manera.

–A pesar de que en Glass distortion se llega a una bellísima y burbujeante transubstantación de los timbres la escritura no parece ir contra los propios instrumentos. Se diría que la fuerte presencia de las prácticas de un Lachenmann en su música o, al menos en estas obras, no ha tenido calado...

–Creo que la música de Lachenmann tampoco va en contra de los instrumentos. Sobre todo ahora, vista en perspectiva, la obra de Lachenmann parece haber estado esperando una escucha más refinada, ya hemos llegado a ella y los paradigmas de composición para un instrumento cambian a la par. Ahora vemos su música, desde mi punto de vista, perfectamente adecuada a los instrumentos, Lachenmann pensaba idiomáticamente pero nuestra escucha estaba fuera de tiempo. Este paradigma teórico perceptivo se ha roto. Yo no me planteo ir en contra o a favor de los instrumentos, tengo a la mano un vocabulario sonoro que me permite expresar una idea musical, no tengo ningún fetichismo ni en la escritura ni en el sonido.

–Desde un punto de vista global, ¿cuál es su visión estética del ciclo?

–Cristales, espejos, hielos, vidrios. Mi visión es muy abstracta, solo así, en un universo no conceptual puedo establecer los vínculos sonoros me llevan hacia una dramaturgia musical.

–Toda su música parece atravesada por una sonoridad que tiende a lo leve, como si no quisiera expresarse con rotundidad. ¿Es una marca de estilo o solo una impresión personal?

–Ítalo Calvino en sus Seis propuestas para el próximo milenio planteaba conceptos abstractos que, sin embargo, permitían la posibilidad de operar estrategias para la creación en el arte: Levedad, rapidez, exactitud, visibilidad, multiplicidad, consistencia. Mi música, efectivamente, está atravesada por la levedad, pero una levedad controlada, citando a Paul Valery diría: «Ser ligero como el ave y no como la pluma».

–¿Es el mestizaje, la fusión, un peligro para la creación contemporánea o una herramienta habitualmente mal usada?

–No, no es un peligro, hay grandes obras que utilizan la fusión de estilos: Sciarrino, Lachenmann, Haas y muchos más compositores de mi generación que manejan lenguajes híbridos resultando en obras estupendas.

–¿Qué importancia tiene en su catálogo su origen geográfico?

–No tiene ninguna importancia, mi único origen geográfico es la partitura.



Escritor Julián Gascón demanda estudiar más las culturas de Occidente



Por Juan Carlos Castellanos C.

Originario de Nayarit, el doctor Julián Gascón Mercado, autor del libro “El reino de Aztlán, patria del Escudo Nacional”, junto con la licenciada Maricela Gascón Muro, sostiene que el mito de Aztlán, como todos los mitos, tiene una leyenda. “Y las leyendas, a veces, se confirman y pasan a formar parte de la realidad”.

Entrevistado en torno a una nueva presentación de ese libro, el Doctor Gascón Mercado dijo que él sabe sobre la emigración de Aztlán hacia la Ciudad de México para fundar la Gran Tenochtitlán, pero hace falta que historiadores y los antropólogos se fijen en esos antecedentes históricos porque acotó, Aztlán, divaga en el mito, la leyenda y la realidad.

Por eso, pidió a los especialistas en historia y antropología que dediquen más tiempo a la investigación prehispánica en el Occidente del país, porque hasta hoy, “los antropólogos mexicanos, que son tan buenos, han dedicado mucho de su esfuerzo a las culturas maya, tolteca, y mixteco-zapoteca, y a zonas arqueológicas como la monumental Teotihuacán”.

En cambio, añadió, poco tiempo han dedicado a las culturas del Occidente, donde hubo asentamientos tan importantes como los reinos de Jalisco, de Colima, y de Aztlán, y más arriba los mayos y grupos indígenas de sonora y el Norte del país; “los expertos hablan de la migración maya, pero no han dicho con seguridad a dónde llegaron y qué hicieron”.

Rodeado de amigos, colegas y familiares, el entrevistado presentó por enésima ocasión su libro, publicado en 2016. Anoche, el Hospital de Jesús, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México, fue el nuevo escenario. Antes de pisar el estrado, el autor señaló a Notimex que su libro pide a los historiadores “fijar con precisión la emigración nahua”.

El escudo que presenta en el libro es el del reino de Aztlán (Una águila devorando a una serpiente), mismo que llevaban los de Aztlán, encabezados por el Gran Tenoch, cuando fueron en busca de Tenochtitlán. “Llevaban esa imagen, y cuando llegaron, fue el escudo mexica que con el tiempo los mexicanos convertimos en nuestro actual Escudo Nacional”.

Gascón Mercado subrayó que con esta publicación espera motivar a quienes se dedican a ver hacia el pasado de lo que hoy es México. Desea, explicó el facultativo, que todos esos estudiosos vayan a fondo en el tema, “que estudien la migración de los aztecas, el origen del Escudo Nacional y todo lo que hay alrededor de ese periodo de la historia nacional”.

Autor de cuatro libros ligados al devenir histórico de la nación mexicana, el entrevistado reveló que para dar forma a “El reino de Aztlán, patria del escudo nacional”, él y Gascón Muro recurrieron a diversas fuentes, sobre todo, a la obra de Wigberto Jiménez Moreno (1909-1985), arqueólogo e historiador mexicano, estudioso ferviente de la historia de los pueblos de Mesoamérica.

NTX/JCC/NMN/AUTOR16

Museo Getty destaca el papel de la grana cochinilla en Europa



Bárbara Anderson, curadora del Museo Getty y de la exposición “The red that colored the world”, aseguró que en el siglo XVI la grana cochinilla causó gran sensación cuando la industria textil descubrió que su rojo carmín tenía una coloración más resistente a un costo más bajo.

Al dictar la conferencia “El insecto que pintó Europa” en el Área de Murales del Palacio de Bellas Artes, Anderson charló con el público sobre la grana cochinilla y la muestra que recorrió varios museos de Estados Unidos.

“De la noche a la mañana, la cochinilla causó gran sensación cuando la industria textil dedujo y descubrió que su rojo carmín igualaba la belleza y saturación, además de que la ventaja de la cochinilla radicaba en los métodos altamente sofisticados que se habían desarrollado en México del insecto (Dactylopius coccus)”, explicó la especialista.

Sostuvo que el conquistador español Bernal Díaz del Castillo y otros acompañantes de Hernán Cortés vieron la cochinilla en el inmenso mercado de Tenochtitlán, pues ya se apreciaba la cantidad del fluido rojo.

La llegada de la cochinilla a Europa desde México, coincidió con un auge en marcha de la industria textil, el motor más importante de la economía del continente desde el siglo XIV, cuando las telas tuvieron una gran demanda en el siglo XVI.

El primer embarque de grana cochinilla salió del puerto de Veracruz con dirección a Sevilla hacia 1523. A su llegada, este nuevo colorante captó la atención del Rey Carlos V, quien pidió a Hernán Cortés le mandara información de esta “grana cochinilla” que era cultivada por los indios de la Nueva España.

NTX/LGZ/NMN

viernes, 19 de enero de 2018

Fue presentado " "La noche y el Fuego". Antología de escritoras potosinas en Van Gogh. Arte + Café

                                          Fotografías: Cortesía de Aló San Luis


Por: Roberto A. Valenciano Capín

"Me he propuesto encontrar personas cuya magia provenga de esta mística comunión, que sean de noche y fuego al mismo tiempo. He tejido este libro con la pasión de seis mujeres que nos enseñan  un poco de lo que llevan por dentro, sin miedo, con la fuerza de un tornado" es así como prologa Jesús Sandoval Magaña, director y creativo de la Editorial El Pato Con Canclas, esta antología de escritoras potosinas "La noche y el Fuego", la cual fue presentada en los Jueves Literarios que organiza Van Gogh. Arte + Café y Aló San Luis.

Para esta ocasión se contó con la presencia de las escritoras Celeste Alba Iris y Karen Ethel Flowers.



En su intervención, Alba Iris, agradeció el ser ya reconocida como potosina de corazón, al ser tamaulipeca de nacimiento, al ser de Cd. Victoria, Tamaulipas. Quien tienen en su haber tres poemarios y un libro de narrativo. Agradeció el apoyo, el trabajo y la perseverancia de este proyecto editorial. Para este antología contribuyo con unos textos que forman parte de su colaboración en el portal de Noticias Expreso a través de la columna- Eva sin paraíso-.  

De esta manera dar lectura a dos textos: - 1,2,3 por mí  y por todos- y - Vibrar al margen (escrito durante su estancia en la Habana, Cuba, 2012-.


Para la recicladora, natura y baterista, Karen Ethel Flowers, reconoció que fue gracias a la invitación y platicas a través del messenger con Jesús Sandoval de poder animarse a compartir sus textos, " ya que nunca había publicado", pero que reconoce que  siempre le ha gustado crear cuentos.

Al platicar que desde pequeña le gustaba escribir cuentos que muchos de ellos quedaron inconclusos y en ocasiones dejaba en cualquier lugar de su casa sus cuentos, en donde su propia familia los leía y muchas veces le preguntaban que seguía. De ahí que muchos cuentos son anécdotas, vivencias. 

Por lo que para esta tarde/noche compartió dos textos: Uno dedicado a Cerro de San Pedro, titulado - El mágico Cerro de San Pedro- y otro bajo este tono del desamor- nunca estuviste-

Para redondear esta presentación editorial con la lectura del texto- Pasos para disfrutar un buen blues- de Berenice Barragán.

Una antología que surgió a partir de la convocatoria nacional de Diez mil poetas por el cambio, en donde se tuvo una alta incidencia y recepción de obras particularmente de escritoras, a partir de la cual Sandoval  Magaña tejió esta antología integrada por 18 textos de seis escritoras de caracteres muy distintos: Berenice Barragán, Celeste Alba Iris, Ismene Jasso, Karen Ethel Flowers, Fabiola Amaro y Paloma Mondragón; además se cuenta con la obra de grabados de Olivia Nates y lo interesante es que es resguarda bajo esta forma artesanal de la cartonería, distintivo de esta editorial El Pato con Canclas. 

Siendo esta el décimo tercer libro de esta editorial independiente potosina. 

120 Latidos por minuto en la 63 Muestra Internacional de Cine en la Cineteca Alameda



En su tercer largometraje, Robert Campillo retrató los años de combate para concientizar a la población francesa sobre el VIH Ganadora  del  Gran   Premio  del  jurado en el pasado Festival   de   Cannes   y generadora de una gran expectativa entre los críticos y el circuito de festivales,120 latidos por minuto  es el tercer largometraje del director francés nacido en Marruecos   Robin   Campillo,   coguionista   de   casi   toda   la   filmografía   de   Laurent Cantet.

Utilizando su propia experiencia como miembro de Act Up, organización dedicada a   la   concientización  sobre   el   VIH,   Campillo crea   un   conmovedor  retrato  de   la juventud francesa combatiendo contra la indiferencia del gobierno a inicios de los años   noventa,   a través   de   una   historia   de   amor   entre   dos   activistas   de  la organización.

Proyectada recientemente en México durante la décimo quinta edición del Festival International de Cine de Morelia,  120 latidos por minuto  forma  parte de la 63 Muestra Internacional de Cine con funciones a las 17:00 y 19:45 horas el viernes 19 de enero, en el Foro Principal de la Cineteca Alameda de San Luis Potosí.

La historia se desarrolla en París, a principios de los años 90. Con la epidemia de VIH que ya había cobrado innumerables vidas durante la década de 1980, varios activistas de la organización Act Up multiplican sus acciones para protestar contra la  indiferencia  del   gobierno.   En   ese   contexto,   Nathan,   un   recién   llegado   al colectivo, se enamora de Sean, un radical militante que gasta su último aliento en la lucha.

En  su   tercer  largometraje,  el  director y   guionista  Robin  Campillo   recupera sus propias experiencias como integrante de Act Up para crear un emotivo relato sobre la lucha juvenil frente a la pasiva respuesta que las empresas y el Estado francés dieron a la crisis del VIH hace casi treinta años.

120 latidos por minuto en los medios:

 “Combinando químicamente la intimidad y la política, la película plasma la tragedia de una juventud abrumada que encontró la esperanza en el calor grupal y en el descubrimiento de su poder incendiario, cuya alegría nueva, intensa, se enfrenta a la fuerza   entera   de   una   máquina   de   muerte   epidémica   y   a   las   fuerzas reaccionarias que son cómplices en la sociedad en la que explotó".Isabelle Regnier, Le Monde, 2017.

“Una   cinta   vital,   poderosa,   muy   bien   actuada   y   con   uno   de   los   mejores soundtracks del año”. Alejandro Alemán, El Universal, 2017.

Para mayor información consulta:www.cinetecaalameda.net. Facebook: Cineteca AlamedaTwitter: @CinetecaSLP#63Muestra

Toño Niño, Don Deivid y Real STYLO en la Oveja Negra



Desde Colombia llega a esta capital potosina de Toño Niño, vocal de la banda de punk acústico  "Los Kalavera",  además estará compartiendo el escenario con Don Deivid y EL REAL STYLO Acústico.

Buena música, este viernes 19 de Enero en  La Oveja Negra. Mier y Terán  #330 (Nueve esquinas).

Inicia: 21 : 00 horas

CDR: $30 PESITOS.

Acá los esperamos.

"Leyendas del Viejo San Luis " por Ana Neumann en Foro. Organización Artística



La promotora cultural, narradora , cuentacuentos, Ana Neumann tendra el honor de inaugurar la programación de El Foro de las Palabras 2018 como mejor sabe hacerlo, al narrar leyendas del Viejo San Luis. Este sábado 20 de enero de 2018, a las 20 : 00 horas.

Ana Neumann. Directora del Taller Independiente de Teatro GRIMM Productora del Programa radiofónico "Antología"

Directora del Taller de Oralidad Artística y Cuentería de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí Coordinadora del Taller Libre de Literatura del Museo Othoniano Coordinadora de Talleres Infantiles de Literatura Actriz de Teatro, Cine y T.V.

Ademas es escritora de cuentos, prosa poética y dramaturgia. Miembro de la Red Internacional de Cuentacuentos.

Ha colaborado en los periódicos "El Heraldo", "El Sol de San Luis" y "Pulso"; en el periódico cultural "Cafetemas"; en revistas; en el cuadernillo "Cantera La Voz". Todo en San Luis

Cooperación: $ 100 pesos. Niños  $ 50 pesos. Estudiantes e INAPAM 20% de descuento.

Los boletos los puedes conseguir llamando al 444 213 2633.

Foro. Organización Artística se encuentra en Comonfort #550, entre pasaje  Zaragoza y 5 de Mayo. Centro Histórico.



Izan bandera de artista mexicano en 12 instituciones culturales de EUA



Una bandera del artista mexicano Pedro Reyes fue izada hoy martes en 12 instituciones culturales de Estados Unidos como parte de un proyecto artístico titulado “Pledges of Allegiance” (juramentos de lealtad) que involucra a 16 creadores de varios países.


En un proyecto concebido por el organismo civil Creative Time, la bandera de Reyes (ciudad de México, 1972) se titula “Hands On With a Vision” (un juego de palabras que puede traducirse como “actuando con una visión”) y representa una mano con un ojo sobrepuesta sobre un orbe.

La bandera, que se mantendrá izada durante un mes, puede ser contemplada en las oficinas de Creative Time en Nueva York; en los museos de arte contemporáneo de la Universidad del Sur de Florida en Tampa y en el de Detroit (MOCAD).

Asimismo, la bandera fue izada en museos, galerías e instituciones de las ciudades de Ithaca, Louisville, Providence, Lawrence, San Marcos, Durham, Oakland, Omaha y Nueva Brunswick.

Reyes participó con una bandera concebida en su proyecto artístico “pUN, People's United Nations” (las naciones unidas del pueblo), un experimento que aplica herramientas y recursos de la psicología social, el teatro, el arte y la resolución de conflictos a la geopolítica.

“La bandera de pUN está inspirada en la jamsa (que literalmente se traduce 'cinco' del árabe). Esta palma derecha con un ojo en el centro de ella ha sido un símbolo de protección a través de las culturas y milenios, que se origina en África y es anterior al cristianismo y el Islam”, dijo Reyes.

En un comunicado, el artista señaló que los movimientos de los trabajadores y de los pueblos a menudo han sido representados por una mano, aunque en este caso esa mano está abierta y sus dedos representan los cinco continentes poblados del mundo.

“Esta mano benigna colocada sobre un orbe está destinada a señalar nuestra misión de proteger el planeta”, indicó Reyes.

En el proyecto también participan los artistas Tania Bruguera, Alex Da Corte, Jeremy Deller, LaToya Ruby Frazier, Ann Hamilton, Robert Longo, Josephine Meckseper, Marilyn Minter, Vik Muniz, Jayson Musson, Ahmet Ogut, Yoko Ono, Trevor Paglen, Rirkrit Tiravanija y Nari Ward.

De acuerdo con Creative Times, cada bandera del proyecto revela la habilidad del arte para canalizar la pasión política, proporciona un símbolo unificador alrededor del cual unirse y llama a la acción.
El organismo civil resaltó que “Pledge of Allegiance” tiene como objetivo inspirar un sentido de comunidad entre las instituciones culturales, comenzando con una articulación urgente de las demandas políticas del momento.


“Cada bandera señala un problema que apasiona al artista o una causa por la que creen que vale la pena luchar, y habla de cómo podemos avanzar colectivamente como país”, asentó el comunicado.

NTX/I/MZG/RCJ

Claudia Piñeiro y la era de la ambición


Por: Virginia Bautista

Claudia Piñeiro decidió abordar desde la ficción el mundo de la política en una historia con personajes políticos. En los límites de la novela negra, sin seguir estrictamente sus reglas, Las maldiciones echa luz sobre el vacío de ideas y los fines utilitarios que caracterizan este quehacer hoy en día.
La política siempre me importó. No es un tema ajeno a otros libros míos, sólo que no era protagonista. Ahora quise demostrar cómo, en el mundo de la política, la ambición está por encima de la verdad y de la justicia”, señala en entrevista con Excélsior.
La escritora argentina nacida en 1960 pone énfasis en la forma en que se construye un político y su discurso, las mentiras y los valores que han caído en desuso, como la solidaridad, y la poca importancia que se le da a la memoria en las sociedades modernas.
Detalla que los argentinos hablan de política todo el tiempo, aunque no haya elecciones. “Los programas que se ven en la noche son los de chismes políticos. Vas al supermercado y la cajera está hablando de política, y en la panadería igual. Es bastante natural para nosotros y me pareció un mundo interesante de explorar”.
Admite que, antes, los políticos se constituían a partir de sus ideologías y el partido al que pertenecían. “Y su discurso reflejaba eso. Pero de un tiempo a esta parte, se constituyen más a partir de herramientas como el marketing, la publicidad, las redes sociales y las encuestas.
Ahora dan discursos vacíos de contenido ideológico que apuntan más a lo efectivo, a decir lo que la persona quiere oír para que voten por él. La política se ha degradado al punto de ser un anuncio para conseguir un efecto: el voto”, afirma.
La también guionista de televisión y dramaturga da vida en su novela Las maldiciones (Alfaguara, 2017) a un político que quiere dividir a Buenos Aires en dos. “Cree en una maldición histórica que existe en Argentina: que una bruja maldijo la fundación de la Ciudad de la Plata, la capital de la provincia de Buenos Aires, y predijo que ningún gobernador de ésta será presidente de la república. Y esto ha sido realidad”.
Destaca también que quería que el interés detrás del político en su novela no tuviera nada que ver con la corrupción, sino con la magia. “Ésta y el poder siempre han estado relacionados. Muchos políticos tienen su brujo o chamán para sentirse más resguardados en esa soledad que es el poder”.
Quien obtuvo en 2010 el Premio Sor Juana Inés de la Cruz, por Las grietas de Jara, señala que en todas sus historias busca una imagen disparadora. “En este caso fue la existencia de una relación amo y esclavo al estilo de Hegel, en la que uno era el poderoso, el maestro, el líder o el jefe que le pedía a su asistente, subordinado o seguidor un sacrificio por él y por su partido. Y que este ‘esclavo’ tenía que decidir si hacía o no lo que le pedía su ‘amo’. Me pareció que el mundo de la política era muy propio para poner esto, porque hay muchas ambiciones y necesidades de escalar”.
La contadora egresada de la Universidad de Buenos Aires, profesión que ejerció durante diez años antes de dedicarse a la escritura, hurgó con especial interés en el vacío de ideas que permea los discursos políticos.
En Argentina, los políticos suelen decir ‘quiero que sean felices’. Que me expliquen qué significa eso, porque bastante me cuesta ser feliz para que ellos me digan que lo sea. Yo deseo saber qué van a hacer con las escuelas, con los hospitales; ‘ser feliz’ no quiere decir nada.
“También se puso de moda el ‘los quiero mucho’. ¿Qué es eso? El presidente tiene que manejar un país, hacerlo bien, gestionar. En ese sentido es el vacío de ideas, parece que apelan a recursos que no envían a la inteligencia del escucha”, asegura.

UNA RESERVA MORAL

Las mentiras también preocupan a la autora de Las viudas de los jueves, con la que ganó en 2005 el Premio Clarín de Novela. “La novela tiene dos pequeños reportajes acerca de dos políticos argentinos de verdad, a quienes entrevisté porque quería mezclar los dos discursos. Con la ficción no engañas al lector, pues sabe de antemano que no es cierto. Pero con un discurso político le dices al ciudadano supuestamente la verdad. Pero todos dudamos de eso. Cada vez aumenta más la posverdad”.
En contraposición a los mentirosos, Piñeiro creó un personaje que rescata los valores antiguos, como la honestidad y el compromiso. “Nunca le va bien. Es como la reserva moral de los perdedores. Pero, a veces, haber perdido en algo demuestra que tienes mejores valores que los que ganan”.
Sin embargo, aclara, tampoco lo que decían los antiguos políticos es la absoluta verdad. “Hay un momento en que tienen que transar con lo nuevo, porque no todo lo viejo fue mejor, si no estaríamos muy bien. La esperanza sería cuando estos dos valores dialoguen y ayuden a los políticos a entender que deben ser honestos y leales, porque los ciudadanos somos seres humanos, no números”.
La autora de Betibú y Una suerte pequeña acepta que muchas de sus historias están en el límite del género negro. “Lo que he observado es que siempre hay un muerto. En Las maldiciones, al principio, matan a la mujer del político. Pero, en lugar de buscar quién la mató y por qué, se indaga si esa muerte sirve o no y para qué. El muerto, en lugar de ser un enigma y una búsqueda de la verdad, es alguien a quien se utiliza”.

Además de la política y sus nuevos “valores”, la narradora indica que la paternidad es un tema clave en Las maldiciones, en la que el joven, el subordinado del político, termina llevándose al hijo de éste.
“He hablado mucho sobre la maternidad, pero en esta entrega quise abordar cuándo un hombre se asume como padre. En la mujer, como está involucrado el cuerpo, hay una preparación de nueve meses para asumirse como madre. Pero, en el caso de los hombres, hay un momento en que deben hacerlo por sí solos. Quería investigar por qué hay hombres que sí pueden hacer ese compromiso y otros que no, y las distintas formas de paternidad que ya existen”, concluye.

Piñeiro adelanta que está juntando una serie de cuentos que desea reunir en un libro y realiza además el guión para una película.